Quand un artiste décide de changer de direction musicale, chaque choix révèle une nouvelle facette de sa créativité. Avec AlgoRhYtHm, Jared Bond explore le groove et le funk tout en questionnant notre rapport aux réseaux sociaux et à l’automatisation. Nous l’avons interrogé sur son processus créatif, ses collaborations et la scène musicale de Kansas City à travers 10 questions qui dévoilent l’intimité de son univers artistique.
1. AlgoRhYtHm marque un tournant dans votre son, avec une plus grande emphase sur le groove et le funk. Quand avez-vous ressenti le besoin d’explorer cette nouvelle direction musicale ?
Le riff chromatique principal vient en fait d’une idée que je tournais autour depuis des années. Elle n’était jamais devenue une chanson complète — jusqu’à ce que je change tout. Le tempo, le rythme, la sensation. Une fois que j’ai fait ça, la mélodie s’est enfin révélée.
Ce moment m’a paru être une percée créative. Il m’a rappelé que lorsque l’on est bloqué, la solution n’est pas de forcer plus fort — c’est de changer de cadre. Le groove et le funk n’étaient pas un virage calculé ; c’était la porte qui a permis à la chanson de respirer.
2. Vous avez écrit ce morceau après avoir supprimé tous vos comptes sur les réseaux sociaux. Comment cette pause a-t-elle changé votre relation avec la création et votre silence intérieur ?
J’ai regardé The Social Dilemma et ça m’a secoué. Entendre les personnes qui ont contribué à créer ces plateformes avouer qu’elles étaient conçues pour détourner notre attention — ça rendait tout sinistre. Quand j’ai supprimé mes comptes, il y a eu cette étrange panique, comme si j’effaçais une part de mon identité.
Mais ensuite est venu le soulagement. Le calme. L’espace.
Soudain, j’avais plus de temps et d’énergie que depuis des années. J’ai écrit presque toutes les chansons que j’ai sorties en 2025 pendant cette période — tout en étant mari, père et infirmier en soins intensifs à plein temps.
J’aimerais pouvoir rester loin pour toujours — mais si vous êtes indépendant, vous avez encore besoin de la fenêtre. Donc je reviens brièvement… puis je repars pour créer à nouveau.
3. Le titre AlgoRhYtHm semble jouer avec l’idée d’automatisation et de contrôle numérique. Quel symbolisme se cache derrière ce nom, et comment cela se reflète-t-il dans la musique ?
J’aimais l’idée de marier le concept lyrique à la structure de la chanson. Le riff du couplet est répétitif et robotique — il allait parfaitement avec l’idée de scroller sans fin.
Il semblait évident de jouer sur le mot « algorithm » et d’embrasser ces influences funk. Mais c’était un fruit irrésistible, et je suis content de l’avoir savouré.
Enregistrer la batterie pour ce morceau a été comme un cadeau pour moi-même. J’adore jouer des parties de batterie répétitives et hypnotiques.
4. Vous collaborez avec David Bennett depuis plus de dix ans, notamment dans son groupe akkilles. Comment cette relation à long terme influence-t-elle votre processus créatif aujourd’hui ?
Après mon passage dans Josephine Collective, je me sentais invincible — signé sur un label majeur, frappant les fûts aussi fort que possible. Akkilles était un tout autre monde. J’avais l’instinct, mais pas la retenue.
David m’a poussé. Il m’a aidé à devenir un musicien plus fin et attentif, plutôt qu’un robot à une seule idée en tête. Avec le temps, ça a changé ma manière d’aborder tout.
Aujourd’hui, travailler avec lui semble naturel. C’est comme finir les phrases musicales de l’autre. Pas d’ego, pas d’explications — juste de la confiance. Nous ne courons pas après les tendances. Nous courons après ce qui semble honnête dans l’instant.
5. L’enregistrement a été réalisé en grande partie en live, notamment pour la basse et la batterie. Que apporte cette approche organique à l’énergie du morceau ?
Je savais que cette chanson avait besoin de chimie, pas de perfection — alors j’ai appelé Jim Embry. Nous jouons ensemble depuis nos 13 ans, et quand nous avons enregistré en live, ça a juste coulé naturellement.
Ce n’est pas parfait, et c’est le but. Ces petites imperfections ressemblent à une protestation contre l’algorithme — comme pour dire : non, ce sont de vraies personnes, dans une pièce, en train de créer quelque chose ensemble.
Nous avons ce niveau de confort ensemble qui me rend enthousiaste pour toute la magie que nous allons découvrir.
6. Jim Embry, bassiste de Root and Stem, a également contribué au projet. Quel élément unique sa contribution a-t-elle apporté à AlgoRhYtHm ?
Jim est comme de la famille. Nous avons grandi ensemble, commencé nos familles à la même période, et passons du temps ensemble en dehors de la musique.
Il y a une familiarité naturelle qui tombe parfaitement. Je savais que je pouvais lui faire confiance pour ressentir immédiatement l’esprit de la chanson.
7. Vous venez de Kansas City, une ville à forte identité musicale. Comment cette scène locale continue-t-elle d’inspirer votre écriture et votre production ?
Grandir à Kansas City au début des années 2000 était électrique. J’étais obsédé par la scène — me faufiler dans les concerts, économiser pour les billets, emprunter le portefeuille de mon père (désolé, Pops).
Des groupes comme The Get Up Kids, The Anniversary et The Appleseed Cast ont façonné mon ADN. Et aujourd’hui, la scène est toujours vivante — Shy Boys, Hembree, Making Movies, Olivia Fox et tant d’autres créent une communauté créative très solide.
8. Vous avez travaillé pour un label majeur en tant que batteur de Josephine Collective. Avec du recul, comment percevez-vous cette expérience et votre retour en tant qu’auteur-compositeur ?
Je ne peux qu’être reconnaissant. Des arènes pleines, des tournées à travers le pays — c’était un rêve. Tout le monde n’a pas ça, et je n’oublierai jamais ma chance.
L’écriture de chansons a toujours été mon projet discret. Quand ce chapitre s’est terminé, c’était le moment parfait pour endosser un nouveau rôle et raconter mes propres histoires.
9. Au cours de l’année passée, vous avez sorti des singles presque tous les mois. Ce rythme est-il un choix artistique, une discipline personnelle, ou une réponse à l’écosystème musical actuel ?
Les trois à la fois. Je voulais faire un album, mais sortir des morceaux régulièrement a permis de maintenir l’élan. Cela développe le muscle créatif — et le muscle pratique aussi.
Ironiquement, c’est le même système qu’AlgoRhYtHm critique. Mais au lieu de me laisser écraser, j’ai appris à avancer dedans sans me perdre.
10. Vous mentionnez l’ironie de devoir revenir sur les réseaux sociaux pour promouvoir votre musique. Comment trouvez-vous l’équilibre entre visibilité, authenticité et préservation de votre espace créatif ?
Une fois que j’ai partagé ce que je devais partager, je m’éclipse. Ma vie est pleine, et c’est dans le calme que vivent les chansons.
Je traite les réseaux sociaux comme une vitrine, pas une maison. Je me montre, je partage le travail, puis je retourne dans la vraie vie et protège l’espace où la créativité naît.