Plongeant au cœur de la création contemporaine, le bassiste et compositeur Daren Burns dévoile avec Fragmentation un projet ambitieux et profondément original. Entre écriture ouverte et improvisation, il y explore les tensions d’un monde en mutation à travers une formation singulière en double quartet. Dans cet entretien, il revient sur ses influences, sa démarche artistique et les idées qui nourrissent sa musique.
1. Votre album Fragmentation a été salué comme l’une des sorties jazz les plus surprenantes de 2021. Quelle était l’idée originale ou la vision artistique qui a guidé ce projet ?
J’ai eu à l’origine l’idée d’un double quartet en écoutant l’album d’Ornette Coleman intitulé Free Jazz for Double Quartet. Ce n’était pas la première fois que je faisais cela : j’avais déjà tenté quelque chose de similaire lors de mon récital de fin d’études à CalArts en 1997, et dans plusieurs ensembles avec lesquels j’ai travaillé, j’ai utilisé deux bassistes et des sections rythmiques multiples. Les Allman Brothers ont aussi été une influence avec leur utilisation de deux batteurs.
Le titre Fragmentation vient également de l’idée de sociétés qui deviennent de plus en plus fracturées ; l’album a été enregistré avant le COVID, et cela semble s’être encore aggravé depuis. Pour être précis, le double quartet existe bien, mais il est décomposé en différentes sections tout au long de l’album, ce qui donne plus de temps et d’attention aux interprètes individuels. Le groupe est donc « fragmenté », déconstruit puis reconstruit pour l’ensemble complet. Cela permet d’entendre l’ensemble sous différents angles.
2. Vos compositions oscillent entre atmosphères cinématographiques, élans funk et moments de free jazz. Comment équilibrez-vous composition et improvisation dans votre musique ?
J’adhère à l’idée de Miles Davis selon laquelle il faut adapter la musique aux musiciens présents dans le groupe. Dans cet ensemble, nous avons tous étudié à CalArts et joué ensemble sous différentes formes. Nous avons donc un bagage et une expérience similaires. Je sais globalement ce que ces musiciens incroyables vont produire, et je l’entends déjà dans ma tête. Je commence souvent par me demander : « À quoi ressemblerait une musique jouée par (tel ou tel musicien) ? »
Les compositions servent de cadres souples afin que chaque musicien puisse y apporter ses propres idées. Parfois, il ne s’agit que d’une mélodie, d’une idée d’instrumentation et d’une direction. Les pièces plus écrites reposent sur une ligne de basse avec des mélodies par-dessus et un certain arrangement, comme Slipshod Demigod ou Fragmentation.
Souvent, en jazz, les compositions sont trop écrites et laissent peu de place à l’improvisation — c’est quelque chose que mon mentor Wadada Leo Smith m’a répété pendant des années. Il existe aussi des moyens d’intégrer l’improvisation directement dans les parties écrites : certaines formes globales apparaissent à un moment donné, mais sonnent différemment à chaque fois. Si l’on suit la partition, on peut toutefois comprendre clairement l’intention du compositeur.
3. Certains titres, comme « Neither Orangutan nor Robot » ou « Sheep Miscellaneous Soup », sont à la fois humoristiques et mystérieux. Quel rôle jouent l’imagination et l’ironie dans votre processus créatif ?
J’aime m’amuser, tout n’est pas sérieux ! Je suis un grand fan de Frank Zappa et David Torn, dont les titres m’inspirent, tout comme le percussionniste John Bergamo, qui a été un mentor et un ami précieux. L’humour est partout.
Je ne me souviens pas exactement de l’origine de « Neither Orangutan nor Robot », mais j’aime l’idée de juxtaposer un singe avec un être technologique de pointe — peut-être une métaphore de l’être humain.
« Sheep Miscellaneous Soup » vient d’une traduction d’un plat dans un restaurant à Pékin. J’ai trouvé ça extrêmement drôle, et cela a suscité des images hilarantes dans mon esprit !
L’imagination est essentielle. Wadada Leo Smith m’a beaucoup transmis cette idée, tout comme Anthony Braxton. J’ai lu un jour qu’il avait écrit une pièce destinée à être jouée par différents ensembles sur chaque planète du système solaire, reliés entre eux par vidéo. C’est extravagant et irréalisable pour l’instant, mais cela existe ! Je n’en suis pas là, mais j’essaie d’intégrer cet esprit.
Redéfinir la fonction d’un instrument peut aussi mener à de nouvelles idées. L’usage de l’électronique pour élargir le son est également important. J’utilise des effets sur ma basse depuis les années 90 ; aujourd’hui, c’est devenu très courant, même chez les souffleurs, percussionnistes et pianistes. Sur cet album, Motoko Honda utilise les effets de manière très efficace.
4. Pour cet album, vous avez réuni plusieurs grands improvisateurs de la scène californienne, dont Vinny Golia et Steuart Liebig. Comment avez-vous imaginé cette formation et les interactions entre musiciens ?
J’ai conçu ce projet comme un hommage à Free Jazz d’Ornette Coleman. C’était le deuxième disque de jazz acoustique que j’ai acheté !
Je savais aussi exactement avec quel ingénieur travailler : Matt Brownlie, lauréat d’un Grammy, avec qui je partage un goût pour les musiques aventureuses. Il pouvait gérer un enregistrement avec double quartet sans hésiter.
Pour les musiciens, j’ai immédiatement pensé au batteur Craig Bunch, puis à Trevor Anderies et Randy Gloss. Randy joue un rôle de lien, car il s’agit en réalité d’un double quartet plus un. Il apporte énormément de créativité.
J’ai ensuite complété les sections rythmiques : piano d’un côté avec Motoko Honda, guitare de l’autre avec Woody Aplanalp. Puis Vinny Golia aux bois et Brian Walsh à la clarinette basse.
Enfin, il me fallait un second bassiste, et j’ai immédiatement pensé à Steuart Liebig. Peu de bassistes peuvent fonctionner dans un ensemble à deux basses ; cela demande une grande flexibilité. Steuart peut être à la fois accompagnateur et soliste sans difficulté.
Je suis chanceux de connaître Vinny et Steu, qui sont des légendes à Los Angeles.
5. Le morceau « Thoughts and Prayers » a une atmosphère particulièrement introspective. Y avait-il une émotion ou une histoire précise derrière cette composition ?
Le titre est ironique : c’est une expression souvent utilisée aux États-Unis après des tragédies, notamment les fusillades scolaires, sans chercher de véritables solutions. J’ai voulu me réapproprier cette phrase en créant une musique introspective.
6. Vous avez joué dans de nombreux styles, du rock au reggae en passant par le Dixieland. Comment ces expériences ont-elles façonné votre voix musicale ?
Toute ma carrière artistique consiste à réconcilier ces expériences et à en synthétiser un langage. L’art influence l’art : il faut comprendre ce qui a été fait auparavant pour pouvoir avancer.
7. Vous avez travaillé avec le trompettiste Wadada Leo Smith, un mentor important. Quelles leçons essentielles avez-vous retenues ?
Que l’improvisation « totalement libre » est une impasse, et qu’il faut apprendre à la structurer pour créer quelque chose d’unique. Il m’a aussi appris à chercher partout de nouvelles idées et à suivre mon propre chemin, même s’il est difficile.
Nous avons souvent parlé de l’importance d’être dans l’instant présent, de travailler avec ce qui est là, sans chercher à forcer la musique ailleurs.
8. Vous avez également été enseignant pendant 15 ans et fondé le label Urban Nerds Records. Comment ces rôles influencent-ils votre approche artistique ?
L’enseignement est directement lié à la pratique musicale. Les élèves me poussent à m’améliorer et à rester ouvert. Je dois trouver différentes façons d’expliquer les concepts.
Quant au label Urban Nerds, il s’inscrit dans une démarche DIY : publier sa musique soi-même sans attendre le soutien des autres.
9. Sur cet album, vous jouez de la basse fretless. Qu’apporte cet instrument en termes d’expression ?
La basse fretless est mon instrument principal depuis 1991. J’aime contrôler moi-même la hauteur des notes. Cela ouvre de nouvelles possibilités : glissandos, vibrato, micro-intervalles… tout cela permet une expression plus riche.
10. Avec huit albums en tant que leader et plusieurs projets, quelles directions musicales souhaitez-vous explorer ?
À court terme, je souhaite enregistrer avec le guitariste Andre LaFosse et le percussionniste Randy Gloss. J’aimerais aussi faire des albums mettant davantage ma basse au premier plan.
Je me suis également lancé dans la musique de film et j’aimerais développer cet aspect, ainsi qu’écrire pour d’autres ensembles.