Avec Grounded, un univers musical profondément personnel prend forme en dehors des sentiers habituels de l’industrie. Enregistré, produit et finalisé seul, l’album privilégie le ressenti à la perfection. Ces dix questions reviennent sur les idées, les influences et les tensions intérieures qui traversent le projet.
1 – Votre album Grounded est sorti récemment. Pouvez-vous nous raconter l’histoire de ce projet et ce qui vous a motivé à le créer ?
Alors, je joue de la guitare depuis une trentaine d’années, à quelques années près. J’ai toujours adoré la musique, depuis que je suis tombé amoureux de Pearl Jam et de Soundgarden au lycée, et j’ai toujours rêvé d’être musicien. Mais le temps passe, la vie suit son cours, et on se sent vieux. Je n’ai jamais vraiment abandonné ce rêve, et après avoir enregistré un EP instrumental pour exprimer toutes ces émotions qui me trottaient dans la tête, mon fils a été impressionné, et ça m’a donné envie de me lancer dans la composition. C’était donc une suite logique : « J’ai des sentiments que je dois extérioriser » et « Tiens, quelqu’un d’extérieur m’a dit que ce qu’il avait entendu était plutôt pas mal ! ».
2- Vous avez enregistré, produit et masterisé l’album entièrement seul dans votre home studio. Qu’est-ce que ça fait d’être un « homme-orchestre » ?
C’était intéressant. C’est assez difficile car il faut être capable d’endosser un rôle différent pour chaque instrument, et je me suis retrouvé à devoir décider COMMENT exactement jouer ces rôles.
Don le guitariste vise quelque chose de totalement différent de Don le claviériste, qui a une vision totalement différente de celle de Don le joueur de pedal steel. Donc, il faut être capable de définir une vision artistique pour une chanson, de jouer chaque partie du point de vue d’un vrai groupe pour éviter une cacophonie de voix, et ensuite de maîtriser toutes les nuances des voix et des instruments. Comme, par exemple, le clavier. Je ne suis pas naturellement un joueur de clavier/piano/synthé, mais à ce moment-là, je le suis. Alors, comment jouer ce rôle pour bien jouer sans chercher à prendre le dessus ? Des décisions comme celle-ci qui doivent se prendre entièrement dans votre esprit. C’est agréable car il n’y a pas de disputes (sauf si vous souffrez d’un trouble dissociatif de l’identité :)), mais il y a le risque de tomber dans le piège de la vision tunnel, faute d’influence extérieure réelle.
3- Le whisky Redwood Empire a inspiré l’album. Comment une boisson peut-elle influencer le processus créatif ?
Je suppose que c’est une petite histoire à raconter. J’adore les clins d’œil cachés. Par exemple, j’adore écouter Dark Side of the Moon et réaliser que près de 95 % de l’album est une très longue progression II-V-I. J’aime ce genre de petits détails. Pour mon EP instrumental, j’ai pris la gamme de do majeur et j’ai transposé chaque morceau progressivement d’un ton diatonique vers le haut, en jouant de manière modale (sauf pour mi, où j’ai joué en mode phrygien dominant). J’ai besoin de ces petits détails loufoques dans ma composition pour me divertir. Redwood Empire s’intégrait parfaitement à cela. J’ai acheté plusieurs de leurs produits, et les illustrations, la philosophie qui les entoure et les noms m’ont vraiment touché. Chaque produit porte le nom d’un séquoia différent. Ayant été plusieurs fois dans les forêts de séquoias, je suis toujours émerveillé par ce sentiment d’immensité.
Ainsi, Pipe Dreams, Lost Monarch, Van Duzen et Emerald Giant ont tous été inspirés par leurs produits et leurs labels. Je réfléchissais au nom et me laissais guider par mon intuition. Puis, les chansons formant une structure cohérente, elles ont naturellement émergé de l’écriture des huit autres titres. À l’origine, je n’avais prévu qu’un EP, mais en écrivant, je n’arrivais plus à m’arrêter !
4 – Vos influences vont de Joni Mitchell à John Mayer et JJ Cale. Comment ces artistes ont-ils
façonné votre approche musicale et votre style personnel ?
C’est intéressant, car je n’ai jamais été une grande fan de Joni Mitchell, mais j’ai écouté l’album Blue, et je me suis dit : « J’aime beaucoup l’harmonie.» Ensuite, je me suis plongée dans son travail avec Charles Mingus, et je crois que c’est là que je suis tombée sous le charme de l’idée d’une approche folk rock profondément ancrée dans le jazz. Je trouve que le jazz est un langage émotionnel tellement puissant, qui emmène souvent l’auditeur dans un voyage inattendu. J’ai commencé à adorer ce concept, et harmoniquement, ces idées sont devenues mon fil conducteur. Quant à JJ, j’adore le fait qu’il soit une sorte d’« auteur-compositeur pour auteurs-compositeurs », et cela a imprégné tout ce que j’écrivais. Je voulais que chaque chose soit à sa place, et que chaque son soit parfaitement adapté à l’instant, sans pour autant que l’émotion s’en trouve altérée. J’ai donc beaucoup aimé sa philosophie du minimalisme alliée à une grande profondeur. Et j’adore, j’adore, j’ADORE le son de guitare de John Mayer. Son jeu sur Stratocaster est tout simplement inégalé par aucun autre guitariste actuel. Il n’a pas besoin d’être « créatif » (et je l’entends dans un sens expérimental), il parvient simplement à faire chanter sa guitare comme si c’était sa voix qui sortait de ses doigts. C’est ce que j’ai cherché à obtenir.
5 – Des morceaux comme « Golden Hour » et « Emerald Giant » se distinguent par leur richesse sonore. Quel est votre
processus d’écriture et de composition pour créer ce genre d’univers musical ?
Alors, je ris en ce moment, parce que je ne pense pas que ces deux chansons auraient pu naître de manière plus disparate, alors les regrouper me fait sourire :). J’ai écrit Golden Hour en une trentaine de minutes. Nous étions en voyage dans l’Okanagan en 2025, et j’étais assis dans notre petit chalet isolé, à contempler ces champs dorés. J’ai été comme transporté mentalement à un voyage en voiture avec ma famille à Taos, au Nouveau-Mexique. Nous avons vu un coucher de soleil tellement incroyable, tellement magnifique, que j’ai été littéralement obligé de me garer sur le bas-côté de l’autoroute pour simplement le regarder. C’était incroyable, et cela m’a donné l’impression que le paradis était descendu sur terre, ne serait-ce que pour un bref instant. Je me souviens avoir pensé à la fréquence à laquelle nous rencontrons des personnes qui influencent nos vies de cette façon, et j’ai commencé à écrire, tout simplement. C’était presque sans effort, les mots jaillissaient. Emerald Giant, c’est une toute autre histoire. Le riff acoustique descendant en mi mineur, qui se trouve derrière le refrain, me trottait dans la tête depuis plus de vingt ans, cherchant où se poser. Rien ne me semblait convenir, mais je voulais vraiment l’utiliser un jour. Et puis, pendant cette petite explosion de créativité, il collait parfaitement à l’ambiance dans laquelle j’écrivais, et j’ai trouvé exactement où le placer.
À partir de là, les deux convergent dans le même flux. J’enregistre une piste avec juste de la guitare acoustique, et de la batterie, j’enregistre le chant, et ensuite je commence à réfléchir à l’endroit où je veux ajouter différents sons. Je ne fais pas de composition, je joue, donc presque tout ce qui a été enregistré sur l’album a été en une seule prise, que ce soit le chant ou les instruments. J’adore l’émotion, et j’ai l’impression que le processus de compilation ne me convient pas. Je ressens les choses différemment d’une prise à l’autre, et donc, si j’essaie d’enregistrer le tout par morceaux, ça va donner, du moins
dans ma tête, une sorte de monstruosité incohérente.
L’autre aspect de la chose, c’est que… ce sera probablement la seule fois où ces chansons sonneront exactement de la même façon. Je le dis souvent à ma femme, car je cuisine de la même manière… si tu aimes ce plat, savoure-le vraiment, car tu n’en mangeras plus jamais. Si tu penses que c’est nul, ne t’inquiète pas, car tu n’en mangeras plus jamais, lol. Cela dit, j’adore le fait qu’en concert, ce soit une expérience différente à chaque fois. J’adore entendre des musiciens prendre des chansons que j’ai déjà entendues et leur donner une toute autre dimension à chaque fois. Sam Beam est un maître en la matière, et j’apprécie énormément cela. Je ne veux pas aller à un concert pour écouter un disque. Je veux entendre le créateur derrière le disque.
6 – Même en tant que débutant, ton talent transparaît dans chaque note. Comment as-tu développé tes compétences malgré ton statut de novice dans le milieu musical ?
J’essaie de ne jamais cesser d’apprendre. Que ce soit en apprenant un nouvel instrument, de nouvelles techniques ou
de nouveaux aspects du solfège que je n’ai jamais abordés mais que j’ai toujours voulu apprendre, j’essaie de garder mon
esprit en éveil. Et même au-delà de l’apprentissage de l’instrument lui-même, il y a la prise de conscience que « voilà ma voix qui s’exprime à travers cet instrument, que ce soit ma bouche ou non.» Et comment trouver le moyen d’exprimer tout ce que l’on souhaite à ce moment précis ? Tout est question de technique.
Quelle intensité donner à un bend ? Quelle pression exercer sur les doigts ? Quel tirant de cordes utilises-tu ? Comment tes micros et ton ampli fonctionnent-ils ensemble ? Peux-tu créer un style de jeu qui te soit immédiatement reconnaissable ? Tout cela m’intéresse. Je pense avoir de la chance, étant autiste : quand quelque chose m’intéresse, je ne peux pas me contenter d’y tremper un orteil. Je dois m’y immerger complètement. Et c’est ce que j’ai fait avec la musique.
7 – Quelles émotions ou quels messages avez-vous voulu transmettre à votre public avec Grounded ?
J’ai 47 ans. J’ai vécu une très longue vie en étant une personne peu intéressante et peu inspirante. Et j’ai l’impression d’avoir longtemps porté ce fardeau. « Pourquoi écrire de la musique si je n’ai que moi à dire, si c’est tout ce que je suis ? Je ne suis pas grand-chose.» Je ne me sens jamais vraiment attiré par l’écriture de sujets politiques, non pas parce qu’ils ne me touchent pas, mais parce que je trouve qu’il est si difficile de saisir toutes les nuances de ce qui se passe. Écrire de l’art autour de ces sujets peut n’être rien de plus qu’une voix de plus qui ajoute du bruit au signal. Je ne veux pas de ça. Alors, pour moi, ce qui me touche le plus, c’est d’écouter une musique à laquelle je peux m’identifier.
En y réfléchissant davantage, je me suis dit : qui ne s’est jamais reconnu dans le fait que la vie ne se déroule pas comme on l’avait imaginé ? Qui ne s’est jamais reconnu dans les relations, en amour, dans l’échec, et dans le sentiment de culpabilité face à ses propres erreurs ? Qui ne comprend pas la honte, le chagrin et la culpabilité, et qui, à l’inverse, ne souhaite pas entendre qu’après tout, les choses finiront par s’arranger, que tout cela fait partie du processus de la vie pour devenir qui Dieu a voulu que nous soyons ? Accepter ses échecs tout en restant indulgent envers soi-même est un travail difficile. Alors, le message est le suivant : la vie est dure et ne se déroule pas toujours comme on le souhaite. Nous allons souffrir, avoir honte, nous sentir coupables et brisés à maintes reprises, mais tout finira par s’arranger car nous avons besoin de ces épreuves pour découvrir qui nous sommes vraiment.
8 – Travailler seul peut être à la fois enrichissant et isolant. Comment avez-vous géré les défis liés à la création entièrement en solo ?
Eh bien, cela rejoint en grande partie ce que j’ai décrit précédemment. C’est presque un processus de dissociation de
chaque voix, et de déterminer ce que l’on veut exprimer À CE MOMENT-LÀ. Que veut dire Don, le guitariste ? Peut-il l’exprimer sans empiéter sur le travail de Don, le bassiste ? Ces tous ces musiciens peuvent-ils s’accorder sur le son que doit avoir ce morceau ? Une fois un morceau terminé, je suis généralement assis là à essayer de le critiquer en tenant compte des avis de quatre ou cinq personnes différentes.
9- Si tu devais décrire ton son en trois mots, quels seraient-ils et pourquoi ?
Des réflexions au ralenti. Franchement, faute de mieux, c’est ce qui a caractérisé tout l’album. Comment gérer mes émotions sans en faire trop, sans tomber dans la bêtise, sans avoir l’air ridicule. En gros, je prends ma vie pleine de problèmes de riches et j’essaie de leur donner une dimension monumentale. La plupart de nos problèmes sont des problèmes de riches, et je suis persuadé que Dieu m’a offert une vie incroyable. Il y aura toujours des moments où je repenserai à tout ça et où je me dirai : « Mince, j’ai vraiment tout gâché.» Mais je dois pouvoir le dire sans crier « regardez-moi ! » et plutôt en disant simplement : « Oui, je suis passé par là. ».
10 – Quels sont vos prochains projets ou collaborations, et comment envisagez-vous l’évolution de votre
univers musical dans les années à venir ?
Alors, je travaille actuellement sur un petit recueil de chansons acoustiques, environ sept au total. Cinq sont des compositions originales et deux sont des reprises de vieux morceaux du domaine public. J’aimerais essayer de le sortir avant la fin de l’année 2026. J’adorerais collaborer avec d’autres artistes, mais étant donné que je suis encore inconnu, c’est assez difficile de me lancer dans cette voie pour le moment, hahaha. J’aurais l’impression d’être Oliver Twist qui réclame de la bouillie ! D’un point de vue évolutif, je pense que je souhaite me perfectionner en production. Du point de vue de l’écriture, je suis assez satisfait de laisser l’évolution naturelle de la composition suivre son cours, mais j’ai l’impression d’avoir quelques lacunes en production. Cela dit, je suis content de ma situation actuelle. C’est bien d’être heureux mais pas satisfait, tu vois ?