BEOM fait partie de cette nouvelle génération d’artistes capables de brouiller les frontières entre les genres musicaux. Entre jazz, pop électronique et influences coréennes, le musicien développe un univers sonore riche, technique et profondément personnel. Dans cette interview, il revient sur son parcours, son processus créatif et sa vision artistique.
1. Vous avez commencé comme bassiste de jazz et joué dans plus de 20 projets locaux au Colorado. Comment cette expérience vous a-t-elle façonné aujourd’hui en tant que producteur et multi-instrumentiste ?
Mon professeur de basse jazz (Bijoux Barbosa) m’a dit quelque chose de profond : chaque genre musical est la vérité d’une autre culture, son évangile et son humanité. Ainsi, j’ai été plus qu’heureux d’être bassiste dans tous les genres auxquels j’ai pu participer au Colorado. Que ce soit le bluegrass, la country, le reggae, le rock, la neo-soul, le shoegaze, le hip-hop, l’EDM, le jazz, etc. Chaque projet m’a appris quelque chose de beau, non seulement sur la musique, mais aussi sur la condition humaine. J’ai adopté une approche à la Bruce Lee pour synthétiser mes aspects préférés de chaque genre. Bien sûr, ma compréhension en tant qu’individu reste limitée, mais je suis très reconnaissant d’avoir pu participer à tout cela.
2. Votre musique mélange électronique, jazz et même K-pop. Comment décririez-vous votre univers musical, et qu’est-ce qui vous inspire le plus lorsque vous composez ?
Pour cet album en particulier, je n’avais aucun genre en tête pour chaque chanson. J’ai simplement commencé à écrire des parties que je trouvais intéressantes par contraste et compatibilité harmonique, un peu comme assembler un puzzle étrange. Je suis inspiré par ceux qui semblent transcender les genres et les paramètres habituels de la musique. J’admire ceux qui sont assez audacieux pour expérimenter, quel que soit le résultat.
3. Vous jouez de nombreux instruments et produisez vos morceaux seul. Pouvez-vous nous expliquer votre processus créatif pour une chanson comme Gravity ou My Moon (달아) ?
Pour Gravity, tout a commencé comme un poème d’amour que j’ai écrit pour ma petite amie. Quand j’ai commencé à composer, je suis parti de ma Bass VI personnalisée que j’ai assemblée moi-même. C’est comme un croisement entre une basse et une guitare. Je voulais créer une ligne avec beaucoup d’harmoniques (dans le style des accords de Jaco Pastorius), et pour remplir l’espace, j’ai écrit des parties de piano parce que cet instrument et ses extensions aiguës me semblaient romantiques. J’aime les musiques avec des batteries pleines et dynamiques, donc j’ai utilisé une combinaison d’une boîte à rythmes TR6S et d’échantillons de batterie jazz pour créer quelque chose de rebondissant. J’ai utilisé la groove box MC-101 pour écrire les parties de synthé. La dernière étape a été de chanter le poème en phrases fluides et horizontales, en contraste avec l’instrumentation très dense. Le mixage a été compliqué ; j’ai essayé de donner à chaque élément sa place, et j’ai masterisé le morceau comme si c’était de l’EDM pour obtenir des basses percutantes et des aigus brillants.
4. Vos chansons intègrent de la poésie en anglais et parfois en coréen. Quel rôle jouent les paroles dans vos compositions et comment choisissez-vous la langue ?
L’anglais est ma langue maternelle, donc c’est en quelque sorte mon réglage par défaut. Écrire en coréen est plus difficile pour moi, mais je suis attiré par la nature onomatopéique du coréen, et je trouve que c’est une langue très belle pour chanter. Les voyelles coréennes semblent bien fonctionner avec le chant mélismatique et sonnent souvent douces à mes oreilles. Parfois, en écrivant des paroles, le coréen vient naturellement, et si cela correspond au projet, je continue, mais je n’essaie pas de forcer les choses si cela semble artificiel.
5. Comment choisissez-vous les instruments acoustiques et les synthétiseurs pour créer vos couches sonores complexes ? Est-ce intuitif ou très planifié ?
J’ai tendance à me tourner vers la basse, la guitare, le ukulélé et le piano parce que ce sont les instruments que j’enseigne. Ce sont les moyens les plus efficaces pour organiser les mélodies et les accords que j’ai en tête. Les instruments à cordes sont ma zone de confort, donc beaucoup de riffs initiaux viennent de ces instruments. Je ne planifie jamais à l’avance quels synthés utiliser. Je fais généralement défiler les sons de ma groove box MC-101, de l’OP-1 et du Korg Minilogue jusqu’à ce que quelque chose fonctionne. Ensuite, je modifie souvent agressivement ces sons ou j’utilise l’égalisation pour laisser de la place aux instruments acoustiques.
6. Le jazz influence fortement votre harmonie et vos arrangements. Quels éléments du jazz vous fascinent le plus à intégrer dans la pop électronique ?
J’ai un amour profond pour l’harmonie jazz. Après avoir écrit des arrangements pour big band, je suis devenu obsédé par l’utilisation des extensions d’accords pour la couleur, comme les voicings drop 2 et drop 4, par exemple, et j’ai l’habitude de construire des chansons autour de shell voicings. J’aime l’ambiguïté des émotions complexes que ces accords créent, et les shell voicings se traduisent très bien en pop et en musique singer-songwriter selon moi. Souvent, j’omets certaines informations dans les accords dominants pour créer un son plus modal ou strophique qui se mélange bien avec la pop. Presque tous les accords majeurs que j’utilise ont une sensation lydienne avec une #11, ou au moins des extensions comme la 9e ou la 13e. C’est simplement une mémoire musculaire due au fait d’avoir grandi en jouant du jazz.
7. Vous avez enseigné et encadré avec CCJA, Rocky Mountain Bass Festival et d’autres programmes. Comment l’enseignement nourrit-il votre propre créativité ?
J’ai des frissons quand mes élèves progressent et peuvent soudain faire quelque chose qu’ils ne pouvaient pas faire avant. Observer le fonctionnement du cerveau de mes élèves est vraiment intéressant, et la joie qu’ils ressentent en progressant devient aussi ma joie. Surtout dans le monde actuel où beaucoup de choses deviennent artificielles, sans âme et automatisées, je pense qu’il est très important de donner aux élèves l’occasion de jouer d’un instrument analogique ou acoustique avec lequel ils peuvent développer une véritable relation.
8. Vous avez contribué à des causes comme Planned Parenthood et le Colorado Harm Reduction Center. Quelle importance a l’aspect social et communautaire dans votre art ?
La communauté, c’est tout. En tant que musicien, je ne suis qu’une toute petite pièce du puzzle. Par exemple, sans l’agriculture, je mourrais de faim. Sans les électriciens et les ingénieurs, ma basse n’aurait aucun son et je n’aurais pas de scène sur laquelle jouer. Sans les danseurs, mes grooves seraient solitaires. La liste continue encore. Je ne ressens pas de séparation avec les autres — nous sommes tous des humains dans la même équipe. Je ferai toujours de mon mieux pour créer un sentiment de communauté, et je dois à tous ceux qui m’entourent le fait de pouvoir faire ce que j’aime le plus.
9. Vos peintures et sculptures ont été exposées en galerie. Comment votre pratique visuelle influence-t-elle votre musique, ou inversement ?
J’ai accidentellement commencé à vendre du merchandising quand j’ai commencé à dessiner des chats vraiment moches. Au départ, c’était juste un moyen de me détendre. La musique est très exigeante, donc je dessine des choses très étranges pour me relaxer et me faire rire. Je ne pensais pas que cela se vendrait bien sous forme d’autocollants, de t-shirts, et que cela ouvrirait de nouvelles formes d’expression pour moi. Parfois, l’art plus sérieux me manque, mais je suis généralement trop épuisé par les exigences de la musique pour consacrer le temps nécessaire à de grandes peintures ou sculptures. Mes carnets de croquis restent assez privés, mais j’espère rapprocher davantage ces deux univers à l’avenir.
10. Maintenant que votre premier album solo est sorti, où espérez-vous emmener votre musique dans les prochaines années ? Y a-t-il des collaborations ou des expériences dont vous rêvez ?
À long terme, j’aimerais que la musique devienne un moyen de voyager. J’ai un goût prononcé pour le voyage, et j’aimerais visiter le monde et me faire des amis partout. J’aimerais aussi devenir un jour professeur de musique, pour continuer la transmission et l’amour de la musique et des arts. Ce serait énorme pour moi de pouvoir partager et inspirer la prochaine génération de créateurs.