Découvrez l’univers de Gbogboade, un artiste à la croisée du soul et de ses racines nigérianes, dont la musique prône la richesse par la retenue. Au fil de cet entretien, il livre une réflexion profonde sur son processus de création spirituel, l’importance du silence et sa quête constante d’authenticité. Une immersion captivante dans l’esprit d’un créateur pour qui la patience et l’identité sont les piliers de l’art.
Votre musique semble profondément atmosphérique et pensée avec intention. Comment abordez-vous la création d’une ambiance avant même de penser aux paroles ou à la mélodie ?
Je dirais que je garde mes oreilles attentives. L’univers nous parle, si nous restons silencieux assez longtemps. Quand je travaille sur un son, je commence généralement par un kick et une ligne de basse, car je pense que cela pose les bases de tout. En résumé, cela définit le type de pièce dans laquelle je vais amener les auditeurs. Une fois que j’ai trouvé un groove stable, j’essaie quelques voicings d’accords. Cela dit, le véritable secret réside dans les percussions. Comme vous pouvez l’imaginer, être Nigérian signifie que j’ai une profonde appréciation pour la valeur spirituelle des instruments de percussion. C’est souvent cela qui définit l’ambiance. Par exemple, sur Rendezvous, l’introduction des percussions à 0:44 aide à attirer davantage l’auditeur, peut-être d’une manière que la batterie n’aurait pas permis. Tout cela à l’unisson me suffit généralement pour identifier ce qui m’est demandé du point de vue de la mélodie ou des paroles. Il est important de m’assurer que je donne à cette pièce les bons meubles, la bonne couleur de murs, etc. Une fois le processus terminé, je sors le saxophone.
Rendezvous explore la tension entre l’intimité et la retenue émotionnelle. Quelles expériences personnelles ou émotionnelles ont inspiré ce thème ?
C’est l’histoire de ma vie (rires). Quand on fait pas mal de progrès personnels, on se retrouve à s’accrocher très fermement à son individualité. Pour ma part, je suis hyper conscient de la façon dont nous projetons nos peurs les uns sur les autres, ce qui m’a poussé à sur-analyser mes relations ; d’où cette retenue émotionnelle, car on ne veut pas se laisser emporter. Cette conscience n’arrête cependant pas le désir d’intimité, on se retrouve donc dans cet espace où l’on est ouvert à l’idée d’intimité mais aussi lourdement gardé. Par exemple, je dis toujours que la position la plus fragile pour un créatif est l’étape entre l’idéation et la preuve de concept. Si votre partenaire projette ses peurs sur vous avant que vous n’ayez concrétisé vos idées, il n’y aura peu ou pas de progrès. Et si vous restez piégé dans ce cycle, vous vous perdez.
Vous décrivez votre son comme enraciné dans une narration intemporelle plutôt que dans les tendances. Dans l’industrie musicale actuelle, qui évolue très rapidement, quelle importance accordez-vous à la patience artistique ?
La patience est tout. C’est le seul moyen pour moi de créer une musique avec laquelle je peux véritablement vivre sur le long terme. J’aime l’exploration profonde et le fait que l’on puisse distinguer l’amélioration faite entre chaque sortie. La nature intemporelle des projets de mes artistes préférés en atteste. D’Angelo n’a que trois albums. Cela dit, ce que l’on apprend avant de devenir célèbre aide aussi à développer un modèle mental pour la création musicale. Pas à la manière d’un fast-food, mais plutôt dans le genre « je connais bien ma cuisine ». Cela signifie que vous devenez capable de déplacer votre patience pour, par exemple, renforcer ou élargir vos compétences en écriture de chansons.
Ayant grandi avec un héritage yoruba et vivant aujourd’hui à Londres, comment ces deux mondes façonnent-ils votre identité en tant qu’artiste et conteur ?
Je pense que mon héritage nigérian en général a amélioré ma compréhension de la musique en tant que langage spirituel. Être Yoruba et avoir grandi en écoutant des artistes comme Fela Kuti et Lagbaja a définitivement amélioré ma compréhension du « call and response », du contrepoint et mon utilisation des percussions mentionnée plus haut. En y réfléchissant, ils ont probablement influencé mon usage des instruments en cuivre. S’installer à Londres a élargi ma palette et m’a aidé à trouver la version de moi-même qui valorise la retenue. Je me suis retrouvé à graviter beaucoup plus vers la musique soul, au point qu’elle est devenue mon style par défaut. En combinant ces deux influences, vous obtenez Gbogboade.
La production de Rendezvous est minimaliste tout en étant émotionnellement riche. Qu’est-ce qui vous attire dans la retenue et la subtilité en musique ?
Tout est question de la conversation en cours. Fela Kuti, Sade et D’Angelo laissaient beaucoup de place à leur musique pour respirer. Ce qui n’est pas dit devient tout aussi important que ce qui est dit. Quand on crée de la musique de zéro, surtout quand on enregistre au milieu du processus de production comme j’ai tendance à le faire, on finit par travailler en union avec l’espace vide. Avec le temps, on commence à apprécier ces espaces ouverts et on ne les remplit d’instruments que si l’on pense que cela améliorera le son. Et même là, on essaie de l’aborder avec subtilité. La plupart du temps, on finit par conserver le silence et utiliser le contrepoint là où il y a déjà du son. Ce qu’on obtient, c’est une richesse empreinte de retenue.
Des artistes comme Sade et D’Angelo sont souvent associés à une soul portée par l’atmosphère. Quels artistes ou albums ont le plus influencé votre direction sonore ?
Il y a beaucoup d’artistes, mais si je devais restreindre la liste, je dirais : D’Angelo (Brown Sugar / Voodoo), Sade, BLK Odyssy (l’époque Diamonds & Freaks), Solange, Jill Scott. Fela Kuti et Lagbaja pour leurs grooves.
Il y a un fort sentiment d’honnêteté émotionnelle dans votre écriture. Trouvez-vous que la vulnérabilité est libératrice ou difficile lorsqu’il s’agit d’écrire de la musique ?
Je pense que cela dépend de l’histoire que vous racontez. Ce qui est vraiment intimidant, c’est que, comme je laisse souvent le groove décider du sujet, je sais rarement ce qui va sortir d’une session d’enregistrement jusqu’à ce que la démo soit faite. Et parce que c’est enregistré selon ce qui semblait juste sur le moment, je dirais que c’est plus libérateur que difficile.
Vous avez évoqué l’importance « d’être vu sans perdre son sens de soi ». Comment protégez-vous votre individualité, aussi bien dans votre vie personnelle que dans votre art ?
Honnêtement, je suis dans mon propre monde la plupart du temps. Je suis donc prompt à analyser si je perds mon sens de l’identité dans mes relations ou quelles sont les chances que cela arrive. En ce qui concerne l’aspect artistique, c’est un peu plus facile puisque je me produis moi-même. Quand je travaille avec d’autres, je suis capable d’arriver avec une compréhension de ce qui doit se passer pour que je maintienne mon identité. Cette clarté aide beaucoup dans la façon dont je décide d’allouer mes 24 heures.
Votre musique semble conçue pour une écoute profonde plutôt que pour une consommation instantanée. Quelle expérience émotionnelle espérez-vous que les auditeurs vivent en écoutant Rendezvous tard dans la nuit ?
Rendezvous est une vulnérabilité masquée par la confiance. On pourrait argumenter qu’être vulnérable est une forme de confiance en soi. Je veux que les auditeurs puissent accéder à cette part vulnérable d’eux-mêmes et « groover » avec elle, plutôt que d’être accablés par elle. Je pense que tard le soir, on a envie d’un refrain régulier qui nous porte, plutôt que de quelque chose que l’on doit disséquer pour ressentir. Beaucoup de retenue, en effet.
Alors que vous continuez à construire votre héritage artistique, que souhaitez-vous que le nom Gbogboade représente dans le paysage contemporain de la neo-soul et du R&B ?
Gbogboade signifie « toute couronne » en Yoruba. La nature régalienne du nom est soutenue par la retenue au sein de la musique. Je veux que les gens viennent à moi pour la confiance, l’honnêteté et un groove indéniable.