Dans cette interview exclusive, le compositeur et producteur Paul Frazer Clarke lève le voile sur son ambitieux projet de 2026, Five Coordinates, une odyssée musicale qui relie des artistes des quatre coins du globe. Il y partage sa vision de la production moderne, entre nostalgie analogique et indépendance structurelle, tout en révélant les coulisses de sa collaboration aérienne avec la chanteuse Tara. Un échange captivant avec un artisan du son qui, après 35 ans de carrière, continue de privilégier l’émotion pure et l’exploration sans frontières.
1. Pouvez-vous expliquer le concept derrière Five Coordinates et comment cette idée est née ?
Five Coordinates est né d’une idée simple mais captivante : et si chaque morceau d’un EP racontait une histoire complètement différente, non seulement sur le plan musical, mais aussi géographique ? Cinq morceaux, cinq collaborateurs internationaux, cinq univers sonores distincts, publiés à raison d’un par trimestre tout au long de l’année 2026. Chaque titre est une déclaration en soi, tout en dessinant collectivement une carte de la manière dont la musique connecte les gens par-delà les frontières, sans que la géographie n’ait la moindre importance.
Le titre lui-même reflète cela — les coordonnées suggèrent le lieu, la destination, la navigation. Mais les véritables coordonnées sont créatives. Où cette musique veut-elle aller ? Quelle est la bonne personne pour l’aider à y parvenir ? Les réponses n’ont cessé de venir d’endroits inattendus de la carte, ce qui correspondait exactement à l’esprit du projet.
2. Comment s’est faite la connexion entre Perth et La Haye, et qu’est-ce que Tara a apporté au morceau ?
J’ai découvert le travail de Tara sur les plateformes de streaming et j’ai immédiatement été frappé par sa voix — elle possède une qualité véritablement rare. Aérienne et douce en surface, mais dotée d’une réelle profondeur émotionnelle en dessous. Elle a également une approche magnifiquement audacieuse de l’écriture : il lui arrive d’écrire dans une langue inventée de toutes pièces, ce qui en dit long sur le genre d’artiste qu’elle est. Quelqu’un qui suit l’instinct pur plutôt que les conventions.
Je gardais l’instrumental de Cloud To Cloud de côté depuis un moment, en attendant la bonne voix. Quand j’ai entendu Tara, j’ai su immédiatement. Je l’ai contactée et, heureusement, elle a ressenti la même connexion avec la musique. Ce qu’elle a apporté au morceau, c’est un sentiment de liberté authentique — le récit d’une vie qui flotte, libérée du poids des attentes, a émergé autant de son interprétation de la musique que d’un plan délibéré de ma part. C’est le meilleur type de collaboration.
3. Est-ce que la comparaison avec Zero 7 et Air est une comparaison que vous assumez, et comment avez-vous obtenu cette chaleur analogique ?
Absolument, je l’assume complètement. Zero 7 et Air représentent un certain standard de savoir-faire dans cet univers pour lequel j’ai un immense respect. La chaleur, l’intelligence, la retenue. Ils ne sur-expliquent jamais leur musique, et il y a là une leçon à retenir.
La démarche pour obtenir ce son a été délibérée dès le départ. Je voulais une orchestration de cordes chaleureuse — un vrai mouvement mélodique plutôt que de la texture pour le simple plaisir de la texture. Certains synthétiseurs analogiques ont été choisis spécifiquement pour leurs imperfections. Les éléments lo-fi sont venus en dernier, comme un moyen d’adoucir les angles et de donner à l’ensemble une qualité intemporelle et artisanale. L’objectif a toujours été de privilégier la chaleur plutôt que le polissage.
4. Qu’est-ce qui vous a donné envie d’explorer cet état émotionnel contemplatif et d’esprit libre, plutôt qu’un récit traditionnel ?
Chaque fois que je compose, je m’intéresse aux états émotionnels, pas seulement aux histoires. Les histoires ont un début, un milieu et une fin — elles se résolvent. Un état émotionnel, lui, se contente d’exister. Cloud To Cloud ne cherche pas à se résoudre. Il veut flotter.
Je voulais écrire une musique qui ressemble à cet état d’esprit. L’amour y est discrètement mentionné parce que la vie s’immisce toujours, mais ce n’est pas le sujet du morceau. C’est l’émotion qui est le sujet.
5. Quelle direction musicale prendra votre collaboration avec Charlie Grant ?
Charlie est un auteur-compositeur véritablement exceptionnel — trois singles dans le top 10 au Royaume-Uni, et des collaborations à son actif avec Simply Red, Melanie C et Colin Blunstone. Ce pedigree parle de lui-même. Sans trop en dévoiler, le morceau sur lequel nous travaillons ensemble a une qualité plus directe, axée sur la chanson, par rapport à Cloud To Cloud — quelque chose qui se situe dans l’univers de Sting et de John Mayer. Un style chaleureux, sophistiqué, guidé par la guitare dans l’esprit, même si ce n’est pas toujours le cas dans l’exécution. Là où Cloud To Cloud se laisse porter, ce nouveau titre affiche une intention claire. C’est une coordonnée délibérément différente sur la carte.
6. Quel est votre secret pour adapter votre approche de producteur à des univers artistiques aussi différents tout en conservant votre propre signature sonore ?
L’écoute, principalement. Chaque collaborateur avec qui je travaille possède un centre de gravité — un endroit où il se sent le plus lui-même musicalement. Mon travail en tant que producteur est de trouver cet endroit et de construire le morceau autour, plutôt que d’imposer ma propre vision à la leur. La signature sonore s’impose d’elle-même car elle réside dans les choix de production : les textures, l’espace entre les notes, la façon dont un mix respire. Ces éléments restent constants, même lorsque le genre change du tout au tout.
Avec Jeff Lorber, il s’agissait de servir son extraordinaire musicalité sans sur-produire autour. Avec Lucky Oceans, il s’agissait de laisser sa guitare slide faire ce que lui seul sait faire. Avec Tara, il s’agissait de créer un univers sonore assez spacieux pour que sa voix puisse l’habiter pleinement. Le fil conducteur est la retenue : savoir quand ajouter et quand ne pas toucher.
7. Quelle est votre perspective sur l’évolution de la production musicale depuis ces premiers jours de pionniers ?
Les outils se sont démocratisés au-delà de tout ce que j’aurais pu imaginer au milieu des années 80. Ce qui nécessitait le budget d’une major et un studio professionnel en 1986 peut aujourd’hui être réalisé dans une chambre avec un ordinateur portable. C’est véritablement extraordinaire et, bien que je m’en réjouisse, cette démocratisation a sa part d’ombre : le déluge de contenus a rendu le travail de curation authentique à la fois plus difficile et plus précieux. Ce qui n’a pas changé, et ne changera jamais, c’est l’importance du goût, du savoir-faire et de la capacité à faire ressentir quelque chose à quelqu’un. Un DAW (logiciel de MAO) ne peut pas faire cela pour vous. L’IA non plus. La technologie sert la musique — il en a toujours été ainsi, même lorsque la technologie se résumait à une console Neve et à un magnétophone 24 pistes.
Le travail Drum ‘n’ Bass avec Fast Floor en 1994 était pionnier précisément parce que nous utilisions les outils de l’époque d’une manière que personne n’avait encore totalement balisée. J’essaie d’aborder chaque projet avec ce même esprit d’exploration authentique plutôt qu’avec une formule toute faite.
8. Comment composez-vous une musique qui possède la force visuelle immédiate requise par la télévision et les médias ?
Par l’économie. La chose la plus utile que j’ai apprise en 25 ans chez Sonoton, c’est qu’une pièce musicale au service d’un visuel doit laisser de l’espace pour que l’image respire. Si la musique est trop chargée, trop complexe mélodiquement, trop insistante sur le plan émotionnel, elle entre en compétition avec ce qui est à l’écran au lieu de le soutenir. La meilleure musique d’illustration est généreuse : elle donne à l’image ce dont elle a besoin et s’efface.
Il y a aussi une clarté émotionnelle requise. Un producteur de télévision qui cherche de la musique dans une bibliothèque a trente secondes pour décider si un morceau convient à sa scène. Cela signifie que l’identité émotionnelle de la pièce doit être immédiatement lisible. Pas simple — lisible. Cloud To Cloud fait cela naturellement ; vous savez exactement ce qu’il veut vous faire ressentir dès les huit premières mesures.
9. À quel point est-il crucial de s’entourer de structures indépendantes, modernes et agiles comme Blushing Zebra et Sentric/Believe ?
C’est absolument crucial — et j’irais même plus loin en disant que c’est l’infrastructure qui rend tout le reste possible. Blushing Zebra Music et Sentric/Believe m’assurent une collecte et une administration mondiales et appropriées des redevances dès le premier jour pour chaque sortie, dans tous les territoires. Pour un artiste indépendant basé à Perth, en Australie-Occidentale, ce n’est pas une mince affaire. Sans cette structure, la musique diffusée à la télévision internationale reste non réclamée. Les revenus qui devraient revenir au créateur disparaissent dans le système.
La distribution est l’autre volet de cette équation — et j’ai récemment pris la décision de passer d’AWAL à l’auto-distribution via TuneCore. Ce n’est pas une décision que j’ai prise à la légère, mais la réalité est que le flux de musique générée par l’IA qui inonde les plateformes a créé un sérieux embouteillage. Retards de programmation, ressources saturées, sorties qui se perdent dans la masse… rien de tout cela ne sert un compositeur en activité avec un calendrier de sorties chargé et un catalogue de fond qu’il doit encore faire découvrir au monde. Prendre le contrôle direct via TuneCore signifie que je gère mon portefeuille selon mes propres conditions, à mon propre rythme.
Mais le streaming et la distribution ne représentent qu’une partie du tableau. Pour moi, l’accent a toujours été mis sur le mélange entre streaming, ventes directes et synchronisation — c’est-à-dire placer de la musique dans des films, à la télévision et dans les médias. C’est là que la relation avec Sonoton et l’infrastructure Blushing Zebra/Sentric deviennent véritablement indispensables. Vingt-cinq ans de diffusions sur la BBC, National Geographic et The Oprah Winfrey Show ne sont pas arrivés par accident — cela s’est produit parce que la bonne musique était correctement enregistrée, correctement administrée et correctement disponible pour les bonnes personnes au bon moment.
Le modèle indépendant, s’il est bien géré avec les bons partenaires, est véritablement supérieur pour un artiste à mon stade d’une longue carrière. Le mot clé est « bien géré ».
10. Si vous deviez résumer l’état d’esprit dans lequel se trouve Paul Frazer Clarke cette année, quel serait-il ?
Déterminé. Je fais de la musique depuis plus de 35 ans et je suis sincèrement plus enthousiaste par ce que je crée en ce moment qu’à presque tout autre moment de ce parcours. Five Coordinates, l’album Retro Emotion sur Cross Section Records (avec Jeff Lorber), le travail de bibliothèque lo-fi de Clarke Meredith Collective… il y a une cohérence en 2026 qui donne l’impression d’avoir été méritée plutôt que fabriquée.
Je suis également plus à l’aise que jamais avec le rythme des choses. Chaque sortie n’a pas besoin d’être un événement. Certaines musiques trouvent leur public immédiatement, d’autres prennent des années. Cloud To Cloud touchera les personnes qu’il doit toucher, et cela suffit. Il y a une certaine liberté dans cette perspective qui ressemble, de manière assez appropriée, un peu au fait de flotter d’un nuage à un autre.