Avec leur premier album The Last Food on Earth, le duo Ghost of Panama explore avec brio les méandres d’une relation amoureuse à travers une architecture sonore audacieuse. Entre textures organiques, mélodies pop et expérimentations, Keith Welham et Cristabel Liu révèlent ici leur processus créatif singulier. Une plongée au cœur d’une œuvre qui transforme le banal en une narration émotionnelle captivante.
1. Votre album « The Last Food on Earth » suit un arc narratif très précis concernant le cycle de vie d’une relation. Était-ce une nécessité créative de structurer l’album autour de cette progression émotionnelle, ou le processus d’écriture a-t-il naturellement révélé ce fil conducteur ?
Pas vraiment. Tout est né d’une conversation que nous avons eue après « Before Records Began », alors que nous cherchions ce que nous allions faire ensuite. Le sujet était quelque chose dans lequel nous pouvions nous reconnaître tous les deux, alors on s’est dit « Pourquoi pas ? Essayons quelque chose d’un peu ambitieux ». Ce que nous voulions éviter, c’était le côté album concept prétentieux. Nous préférons le terme « thématique ». Les chansons ont un thème qui les relie, mais il est possible d’en supprimer certaines ou de modifier l’ordre, et cela conserve tout son sens.
J’ai donc commencé à écrire le matériel. Les premières chansons étaient, je crois, « The Lift » et « Ghost of Your Perfume », donc l’écriture n’était certainement pas linéaire. Nous avons rapidement eu beaucoup de matière et nous avons décidé de laisser de côté les chansons trop sombres, comme « The Bride Wore Black ».
Ensuite, nous avons pensé que nous ne pouvions pas laisser l’album en suspens après huit chansons. J’ai donc réécrit « Half-Life » pour en faire « Afterlife », avec moins de changements de mesure et une approche beaucoup plus agressive. C’était comme un moment théâtral où l’on claque la porte en partant. Nous voulions ensuite donner à l’auditeur quelque chose de positif à retenir. Il me restait un riff de guitare d’une ancienne chanson, « Bastille Day », qui ne fonctionnait pas vraiment. Je l’ai donc repris et j’ai essayé de donner à l’ensemble un côté « épique », faute de meilleur mot. Si nous avions simplement mis une chanson de deux minutes, la réaction aurait probablement été « ouais, bof », mais l’étirer en plusieurs parties sur près de sept minutes signale à l’auditeur que nous accordions de l’importance à cette positivité.
2. Vous avez enregistré cet album dans un studio personnel dans l’ouest de Londres. Comment cet environnement confiné a-t-il influencé vos choix de production, notamment l’utilisation de « sons trouvés » comme le compteur Geiger sur « Half-Life » ?
Je pense que les petits studios modernes sont souvent suffisamment bien équipés pour que cela ne fasse pas une grande différence. Bien sûr, cela ne veut pas dire qu’un studio très bien équipé avec un excellent ingénieur ne sonnera pas mieux. Mais tout dépend de l’organisation. Ce que vous gagnez en qualité sonore, vous risquez de le perdre en flexibilité de travail. Et nous sommes terriblement désorganisés.
Nous avons emprunté le compteur Geiger et nous avons couru partout dans Londres pour essayer d’obtenir une lecture qui dépasse le bruit de fond. Les gens ne semblent plus avoir de montres numériques. Finalement, nous avons obtenu quelque chose en le pointant vers des panneaux de sortie et des détecteurs de fumée.
3. « Half-Life » frappe par son utilisation de sons organiques (respiration, compteur Geiger) pour remplacer la batterie traditionnelle. Quel rôle joue l’expérimentation sonore dans votre processus créatif par rapport à la composition mélodique pure ?
Il y a toujours ce désir de ne ressembler à personne d’autre, mais pour être honnête, je pense que notre son est assez conventionnel. « Half-Life » a été écrite à la guitare, et ce qui est vraiment étrange, c’est le passage à une mesure de 5/4 avec des triolets à la huitième mesure d’une phrase répétée de 16 mesures. C’était difficile de faire en sorte que la batterie « groove » correctement, alors nous avons essayé sans, mais ça ne marchait pas tout à fait.
L’étape suivante a été d’utiliser le son de respiration en guise de grosse caisse sur le premier temps d’une mesure sur deux. Le compteur Geiger a été inspiré par le titre de la chanson, car les paroles étaient déjà écrites ; nous l’avons ajouté sur les autres temps ainsi qu’en grande quantité dans l’intro.
Donc, je dirais que nous commençons généralement par les chansons, puis nous utilisons l’expérimentation sonore pour ajouter de la couleur.
4. Vous parvenez à maintenir un équilibre entre des titres accessibles comme « Ghost of Your Perfume » et des paysages sonores plus expansifs et abstraits comme « Siberia ». Comment gérez-vous cette dualité entre instinct pop et désir d’expérimentation ?
Je pense que la chanson doit passer avant tout. Ces deux morceaux ont été écrits à la guitare et leur nature même a dicté l’approche.
« Ghost » possède cette séquence d’accords qui crie « pop » – il suffit d’écouter à quelle fréquence Taylor Swift l’utilise, par exemple. L’astuce était de rendre le morceau moins « pop » en utilisant la basse comme instrument principal et en noyant progressivement la voix dans la réverbération.
Les mots dans « Siberia » appelaient tout simplement cette approche de paysage expansif pour les compléter : la distance, le froid, etc. Cela n’aurait pas fonctionné avec une approche de power-pop avec des guitares saturées.
L’astuce, je suppose, est d’être capable de voir au-delà de la chanson telle qu’elle apparaît au départ, puis de chercher à en extraire les éléments cruciaux et dramatiques.
5. « North Star » clôture l’album sur une note d’optimisme après un voyage intentionnellement « implacablement sombre ». Pourquoi était-il essentiel pour vous de terminer ce voyage émotionnel sur une note lumineuse ?
Pour l’image ? Nous ne voulons pas passer pour des gens misérables qui restent assis chez eux à écouter des enregistrements de chiots que l’on torture.
Plus sérieusement, toutes les meilleures histoires ont de l’ombre et de la lumière, de la légèreté et du drame. En terminant sur une note optimiste, je pense que nous avons conclu l’album, et j’espère que l’auditeur a le sentiment d’avoir fait un voyage avec nous et ne pas avoir simplement reçu un coup de poing dans la figure pendant 40 minutes. En finissant sur une note positive, je pense que l’on met en valeur tous les morceaux précédents par contraste. Je suppose que c’est une question de savoir si, dans votre vie, le soleil est une pause dans la pluie ou si la pluie est une pause dans le soleil.
6. En tant que duo composé de Keith Welham et Cristabel Liu, comment interagissez-vous lors de la phase d’écriture pour mélanger vos sensibilités respectives dans ce qui est devenu la signature sonore de Ghost of Panama ?
J’écris les chansons, mais Cris est mon filtre. Souvent, j’ai une mélodie qui est trop facile ou trop simple, car ce sont les limites de ma voix. Cris peut tenir une note contre l’accord et projeter sa voix, ce qui finit par se résoudre.
Je présente donc une chanson qui est en grande partie (mais pas totalement) formée, et le rôle de Cris est de la rendre plus ronde, plus sophistiquée. Pour s’en rendre compte, on peut comparer certains de nos premiers titres comme « Spiderlock » ou « Awayday » avec les versions ultérieures chantées par Cris. Ces dernières sont tellement meilleures.
7. Vous avez été décrits comme un groupe qui « extrait l’exotique du banal ». Comment appliquez-vous cette perspective à la vie quotidienne pour transformer des moments banals en récits musicaux complexes ?
Nous courons partout et enregistrons tout. À un moment donné, nous nous enregistrions même en train de nous enregistrer mutuellement.
Je ne pense pas que les gens exploitent assez leurs expériences quotidiennes. Autour de nous, il y a une mine de matériel : l’inspirant, l’offensant ou simplement l’absurde. Vous pouvez prendre des incidents ou des commentaires triviaux comme source d’inspiration et trouver quelque chose de nouveau.
Un exemple est pertinent ici : je regardais une émission de télévision et une fille disait à son petit ami quelque chose comme « Je voudrais qu’il n’y ait que nous ». Cela a créé l’idée que s’il n’y avait qu’eux deux, il n’y aurait rien à manger, d’où la phrase dans « Damage » : « If there was only us, could we get this close, we’d both be the last food on Earth » (S’il n’y avait que nous, pourrions-nous être si proches, nous serions tous les deux la dernière nourriture sur Terre). Quelque chose d’exotique extrait du banal.
8. Depuis vos débuts en 2022 et vos trois EP précédents, comment sentez-vous que votre identité musicale a évolué jusqu’à ce premier album ?
Je pense qu’il y a eu une croissance massive. Notre confiance a grandi de manière incommensurable.
Si vous écoutiez « The Wrecking of the Cargo King », je doute que vous pourriez prévoir « Last Food » dans ce matériel. Nous sommes maintenant à l’aise avec notre direction et nos capacités. En tant qu’auteur, je sens maintenant que je peux aborder n’importe quel sujet sous un angle inhabituel, ce qui rend ma vie tellement plus intéressante.
« Cargo King » aurait dû être beaucoup plus ambitieux, mais nous étions encore en train de chercher notre voie. Nous avions des chansons superbes dessus comme « King » et, peut-être, aurions-nous dû pousser « Cargo Cult » en single.
Ceci dit, si on ne fait jamais d’erreurs, on n’apprend jamais.
9. Votre son présente à la fois une énergie post-punk des années 1980 et une production fermement ancrée dans les années 2020. Est-ce une nostalgie consciente, ou simplement l’héritage d’influences que vous cherchez à moderniser ?
Je suppose que cela dépend des influences. Même si les gens ne veulent copier personne, il y a toujours une forme d’effet d’osmose. Je pense que notre playlist est assez éclectique – du jazz balkanique, du punk et de la musique africaine de mon côté, et toutes sortes de choses différentes avec Cris. Cependant, nous avons vraiment essayé d’apposer notre propre empreinte. Je ne pense sincèrement pas que nous sonnions comme quelqu’un d’autre et je n’en ai aucune envie.
Je me demande cependant si définir la musique par genre est utile de nos jours. Peut-être qu’à l’époque, étiqueter quelque chose était utile car cela faisait gagner du temps et facilitait l’agencement des disquaires. Cependant, avec tout ce qui est accessible en un clic, à quoi bon ?
10. Avec des concerts prévus dans le centre et l’ouest de Londres, comment comptez-vous traduire le son très travaillé et atmosphérique de l’album sur scène pour votre public ?
C’est un problème. Pour porter cela sur scène, il nous faudrait un batteur, un claviériste et un autre guitariste. Nous pourrions les trouver, mais le problème devient alors celui des répétitions et de la coordination, ce ne sont pas nos points forts. Il y a certaines chansons (« Half-Life », par exemple) qui seraient extrêmement difficiles à jouer en live.
Nous pourrions donc jouer les chansons avec des bandes pré-enregistrées sur ordinateur. À mon avis, cependant, c’est la pire des solutions. Nous voudrions jouer certaines chansons plus vite ou peut-être étendre certaines sections, mais nous déciderions cela sur le moment et non de manière préméditée. Je ne veux pas faire du karaoké sur mes propres chansons.
Peut-être qu’on prendra juste deux guitares et qu’on jouera dans le métro. 😁