Dans cette interview sans détours, l’artiste revient sur la brutalité des émotions et l’honnêteté sans compromis qui nourrissent sa musique ainsi que son univers visuel. Qu’il s’agisse d’aborder des problématiques systémiques comme les violences faites aux femmes ou de puiser son inspiration dans la littérature classique et les figures de rébellion, elle explique pourquoi les illusions rassurantes n’ont aucunement leur place dans sa démarche créative. Son parcours artistique témoigne avec force de la nécessité de s’affranchir des attentes sociales, d’embrasser sa propre vulnérabilité et de livrer une vérité brute.
1. Votre dernier morceau, « Tantalizing Meat », traite des violences faites aux femmes avec une intensité émotionnelle brute. Quel a été le déclencheur pour canaliser un sujet aussi lourd dans ce format dark-rock viscéral ?
Je n’ai pas d’histoire sur une personne ou un personnage en particulier qui m’aurait poussée à créer ce morceau, car il y en a une quantité immense. La violence faite aux femmes dans une société patriarcale est un carrousel sans fin où l’on devient une victime indépendamment de son apparence, de son style vestimentaire, de sa posture ou de ses opinions, mais simplement parce que l’on est une femme. Parce qu’un homme peut se permettre d’agir en toute impunité, peut se permettre d’imposer le silence à la victime, peut se permettre de la briser, de répliquer vivement et d’avancer. L’objectification des femmes et le fait de les percevoir comme une simple fonction ne font que renforcer ce paradigme. Aujourd’hui, à chaque fois qu’une telle histoire fait surface, je m’effondre ; c’est insupportable d’y penser, et pour une femme, subir cela revient à porter une croix qu’elle ne s’est pas imposée elle-même.
2. Le point culminant de « Tantalizing Meat » présente des cris déchirants d’une rareté exceptionnelle. Comment vous préparez-vous, physiquement et mentalement, à atteindre ce niveau de vulnérabilité en studio ?
Je pense que c’est une question d’empathie. Ce que l’on montre dans les films et les séries télévisées semble souvent édulcoré. Pour éviter d’effrayer les gens, pour éviter de provoquer de vraies émotions, afin que l’image reste acceptable à l’écoute ou au visionnage. Je ne voulais pas de cet effet-là parce que ce n’est pas la vérité. Il ne peut rien y avoir de beau dans la violence ; la violence, c’est la violence. Je ne sais pas comment expliquer exactement comment je m’y suis préparée, parce qu’en réalité, je ne me suis pas préparée du tout. Je ressens et j’agis, tout simplement ; je me fiche de ce que pense mon ingénieur du son ou de la gravité terrifiante du rendu. J’avais besoin de vérité dans le son, et de rien d’autre.
3. En tant qu’artiste auto-produite et productrice exécutive, vous créez vos projets visuels et musicaux de toutes pièces, parfois dans un isolement politique. Comment cette indépendance totale façonne-t-elle l’authenticité de votre art ?
Je pense que l’environnement culturel, les réalisateurs et musiciens talentueux de mon pays — qui ont toujours été des exemples d’une certaine rébellion contre le lissé, contre l’hypocrisie et contre les tentatives de masquer ce qui se cache derrière une belle image — ont façonné ma vision. Leurs opinions n’ont jamais été acceptées, mais c’était précisément là que résidait leur force principale : rester eux-mêmes quelles que soient les circonstances extérieures. Il n’y a rien de pire que de faire des compromis avec soi-même, surtout par souci de confort. Dans ce cas-là, c’est à soi-même que l’on ment avant tout. En réalité, j’ai toujours voulu jeter la vérité au visage des gens ; je veux les inciter au dialogue, plutôt que d’écrire simplement ce qui les installera dans leur confort.
4. Votre single « Capitalism » livre une critique incisive du monde moderne. Selon vous, comment le rock industriel sert-il de vecteur pour exposer le déclin du système ?
Je pense que le rock a toujours été une forme de rébellion contre les règles et les limites, une voix de vérité. C’est peut-être exactement pour cela que le rock est gravé dans mon cœur depuis mon plus jeune âge. Je crois que cette prise de conscience m’a permis de réaliser que je pouvais écrire et créer de l’art dans la tonalité spécifique que je souhaite — pour transmettre ma pensée aux gens, les captiver et mettre toute la fausseté au jour.
5. Votre premier single, « Inherited Scars », abordait le traumatisme générationnel. De quelles manières la musique vous permet-elle de transformer ces « cicatrices héritées » en une source d’émancipation et de défi ?
La musique m’a aidée à me libérer ; cela reste magique pour moi. Je me rappelle à quel point je me sentais mal lorsque j’ai passé toute ma vie consciente à essayer de choisir des schémas familiaux — la stabilité, des scénarios prévisibles où l’on ne satisfait que les besoins des autres au détriment des siens. Quand, à un moment donné, je me suis enfin tournée vers l’intérieur et que j’ai réalisé que ce n’était pas moi, que je vivais la vie de quelqu’un d’autre… et pour quoi faire ? Je n’ai trouvé aucune réponse à cette question. Dès que j’ai accepté en moi l’idée que j’avais le droit de faire de la musique, de créer mon art, les pièces du puzzle se sont assemblées et j’ai trouvé ma véritable force.
6. Votre son et votre univers visuel caractéristiques sont très cinématographiques, sombres et inspirés du film noir. Quelles sont vos principales influences non musicales — comme le cinéma, la littérature ou les arts visuels — qui nourrissent cette identité « art et essai » ?
Ma vision non musicale est en grande partie façonnée par mon parcours académique : je suis diplômée en journalisme. En préparant les examens, qu’on le veuille ou non, il faut lire une quantité astronomique de littérature classique russe, et celle-ci est intrinsèquement très tragique, sombre et contemplative. Mon auteur préféré est Anton Tchekhov. J’ai toujours été fascinée et inspirée par la façon dont ses œuvres combinent brillamment la tragédie interne et profonde de l’existence humaine avec la simplicité glaciale et nue de la réalité quotidienne. C’est précisément cette absence de prétention artificielle, ce regard honnête et d’art et d’essai sur les cicatrices humaines sans aucun filtre, que j’apporte dans l’univers visuel et cinématographique de mon projet musical.
7. Votre travail rejette explicitement la « fausse positivité » des médias grand public. Pensez-vous que la scène alternative a la responsabilité de confronter le public à des réalités dérangeantes plutôt que de proposer une pure forme d’évasion ?
Absolument, oui. Je crois qu’avant tout, il est impossible de se fuir soi-même. Une fois que l’on prend conscience de quelque chose, on peut bien sûr essayer de fermer les yeux dessus, mais cela ne fera pas disparaître le problème. La critique du système, du mode de vie, etc., est extrêmement bénéfique dans le sens où elle nous fait avancer. Un problème doit d’abord être mis en lumière dans toute sa laideur, il faut peut-être faire le deuil de son existence, l’accepter, le dépasser, puis continuer d’avancer.
8. La critique associe souvent votre énergie brute à des artistes comme Sinéad O’Connor, Cassyette et SOFIA ISELLA. Comment percevez-vous votre place aux côtés de figures qui refusent de la même manière de compromettre leur intégrité artistique ?
C’est un immense honneur de voir mon nom placé aux côtés d’artistes d’une telle envergure. Lorsque j’analyse l’ADN de mon propre son et de mon énergie, je ressens vraiment une connexion interne profonde avec ces figures. Ce qui nous unit est le plus important : un refus absolu de faire des compromis à des fins commerciales et une disposition à être d’une honnêteté terrifiante face au public. La musique de Sinéad O’Connor a toujours été pour moi un exemple de la façon dont la vulnérabilité peut devenir une arme redoutable, et je suis ravie que les médias européens aient instantanément perçu cette sincérité sans concession dans mon projet.
9. De la couverture de « Volecho » jusqu’à une diffusion radio internationale aux États-Unis et au Royaume-Uni, votre projet résonne à l’échelle mondiale. Comment vivez-vous cet accueil étendu alors que votre musique émane d’un espace aussi intime ?
Pour être honnête, il m’est difficile d’analyser pleinement ce rayonnement mondial pour le moment, car lorsque je crée ma musique, je ne pense pas aux classements, aux passages en radio ou aux couvertures de magazines. Je la crée parce que je ne peux tout simplement pas garder ces émotions en moi.
10. Après avoir établi votre « manifeste cinématographique » à travers ces singles phares, qu’y a-t-il à l’horizon pour KATIA POJIDAEVA — peut-être un projet plus long ou le fait de porter cet univers immersif sur une scène en direct ?
Pour l’instant, mes projets incluent au moins une autre sortie. De plus, j’aimerais évidemment beaucoup porter mon travail sur scène. J’espère être en mesure de faire une grande annonce très prochainement.