Dans cet entretien sans concession, l’artiste revient sur la création de son album éponyme, un projet 100 % auto-produit aux sonorités « filmic rock » intenses. Entre quête de textures brutes, totale indépendance artistique et thématiques intimes comme le surmenage et la santé mentale, il dévoile sa vision d’une musique organique et authentique. Un témoignage fort sur la manière de transformer l’isolement créatif en une œuvre sonore puissante.
1. Vous gérez tout, des premières prises au design sonore (piano, orgue, cordes, synthés). À quel moment un morceau passe-t-il le cap d’une simple démo brute pour devenir une pièce aboutie de « rock cinématographique » (filmic rock) ?
R : En général, la ligne est franchie au moment où le test acoustique est réussi et où les éléments spatiaux se mettent en place. Je commence toujours par m’assurer qu’une chanson peut tenir debout seule, simplement avec une guitare acoustique ou un piano. Une fois cette base solide établie, le morceau passe du statut de démo à celui de pièce rock cinématographique lorsque je commence à introduire des éléments tonaux, de l’atmosphère et un design sonore superposé (comme des cordes, des synthés ou de l’orgue) qui lui donnent une sensation d’espace physique et de mouvement. S’il respire, crée de la tension et entraîne l’auditeur dans un environnement plutôt que de simplement jouer des notes à travers un haut-parleur, alors il est achevé.
2. À quel moment ressentez-vous qu’un morceau passe d’une démo brute à une pièce de « rock cinématographique » aboutie ?
R : Cela se produit lorsque l’arrangement cesse d’être une collection de pistes séparées pour commencer à agir comme une scène vivante. Tout débute par des idées ; une pièce de rock cinématographique terminée possède une atmosphère, une tension et une pulsion distincte. Lorsque le caractère de la pièce d’enregistrement se fond avec les textures de guitare fuzz et les nappes de synthés ou de cordes sous-jacentes, de sorte que chaque couche serve le poids émotionnel de la chanson, c’est là que la limite est franchie.
3. Vous rejetez les modèles numériques stériles faits sur ordinateur (in-the-box) au profit de l’acoustique naturelle de la pièce. Comment équilibrez-vous ce grain analogique brut avec la clarté exigée par le mastering numérique moderne ?
R : Tout repose sur l’interprétation et la capture du véritable air en mouvement dans une pièce, dès le tout début. Lorsque vous capturez une excellente prestation physique dans un espace réel, vous n’avez pas besoin de la surtraiter de manière numérique pour obtenir de la clarté. Travailler avec Rick Carson pour le mixage et le mastering permet de garantir que cette énergie analogique brute reste intacte, tout en donnant au morceau final l’impact et la précision de diffusion nécessaires pour les systèmes modernes.
4. Votre album équilibre des grooves massifs et un rock fuzz musclé avec des thèmes intimes (épuisement professionnel, rétablissement mental). Comment empêchez-vous la lourdeur instrumentale de prendre le dessus sur la fragilité du sujet ?
R : La lourdeur sert en réalité d’armure émotionnelle à la vulnérabilité sous-jacente. Si la musique était trop fragile ou calme du début à la fin, elle ne refléterait pas fidèlement le poids du burnout, des traumatismes et de la guérison. La distortion, le fuzz et les grooves entraînants sont là pour capturer l’intensité de ces épreuves avec attitude, tandis que les mélodies et le phrasé des paroles apportent l’élément humain brut et honnête. Ils s’équilibrent mutuellement parce que la musique correspond à la friction de l’expérience réelle.
5. Vous évoquez la tension entre l’isolement créatif et l’élan artistique. L’isolement était-il une étape nécessaire pour trouver cette honnêteté dans votre écriture ?
R : Je le pense, oui. Lorsque vous composez et produisez entièrement selon vos propres règles, sans filtres extérieurs, sans remarques de labels ou sans comité pour édulcorer les choses, vous n’avez nulle part où vous cacher face à vous-même. Cet isolement m’a forcé à affronter ce que je ressentais vraiment, en particulier alors que je traversais de vives tensions personnelles et des difficultés de santé mentale pendant la préparation de la sortie. Ce n’était pas toujours confortable, mais cette solitude absolue est le seul moyen par lequel j’ai pu sortir des textes et des thèmes totalement sans filtre et honnêtes.
6. Enregistré aux Make Believe Studios et 100 % auto-produit, qu’est-ce que cet environnement vous a permis de capturer qu’un studio traditionnel grand public aurait probablement lissé ?
R : Cela m’a permis de préserver l’élément humain brut et imprévisible. Les studios commerciaux traditionnels assainissent souvent les prestations, re-quantifient à l’excès et éditent la batterie jusqu’à en retirer toute vie, puis polissent les imperfections jusqu’à ce que tout sonne trop parfait. Aux Make Believe Studios, nous avons pu capturer le véritable air de la pièce, les dynamiques naturelles et la sueur d’une véritable performance. Si quelque chose est trop parfait, cela cesse d’être intéressant à écouter, et je voulais garder ces imperfections qui font que la musique semble réellement vivante jusqu’à un certain point.
7. En tant qu’auteur/éditeur inscrit à l’ASCAP et propriétaire de vos masters, considérez-vous cette autonomie totale comme une nécessité artistique ou comme une stratégie de placement média à long terme ?
R : C’est avant tout une nécessité artistique. Je n’ai vraiment pas envie d’attendre ou de compter sur quelqu’un d’autre pour amener ma musique là où elle doit être. Le contrôle créatif signifie que je ne devrais jamais avoir à compromettre ma vision ni à donner les clés du travail de toute une vie. En même temps, d’un point de vue pratique, posséder ses masters et son édition en tant qu’artiste indépendant vous donne une liberté totale sur la manière dont votre musique est gérée, sous licence et partagée dans le monde.
8. Le disque passe sur KIOS 91.5 FM et fait l’objet d’un article dans The Reader. Qu’est-ce que cela fait de voir un projet 100 % indépendant capter l’attention des médias régionaux sans grande machine industrielle derrière ?
R : En réalité, il n’est pas encore en rotation sur les stations de radio. J’ai fait une interview pour Live & Local avec Mike Hogan sur KIOS, qui sera diffusée fin octobre. Mais j’espère que cela témoigne d’une authenticité qui parvient à percer le bruit ambiant. Il n’y avait pas de grande agence de relations publiques ni de machine industrielle pour pousser ce disque. C’est juste du travail brut, une vision claire et le refus des compromis. Voir des prescripteurs locaux, des radios publiques comme KIOS et des publications comme The Reader résonner avec quelque chose qui est sorti directement d’une période très personnelle et difficile de ma vie prouve que les gens répondent toujours à l’art véritable fait de manière indépendante. Je dirais aussi que je n’ai reçu que de bonnes critiques de la part des professionnels de l’industrie que je connais et en qui j’ai confiance. C’est très important pour moi.
9. Pourquoi avoir choisi un format de 7 titres pour ce premier album éponyme ? Est-ce un choix motivé par la concentration de l’impact ou par la vision du rock cinématographique moderne ?
R : C’est une question d’impact et de cohérence narrative. Chaque piste de cet album apporte sa pierre à l’édifice et il n’y a aucun remplissage. Quand on traite de sujets lourds comme la santé mentale, l’épuisement et des textures sonores intenses, une durée resserrée de 7 titres frappe avec une force maximale du début à la fin. Cela livre un propos artistique complet sans s’éterniser. De plus, j’avais vraiment dit tout ce que j’avais à dire à travers ces 7 morceaux à ce moment-là. J’ai d’autres choses à dire sur d’autres sujets aujourd’hui, et je travaille actuellement sur ces nouveaux morceaux.
10. Maintenant que cette identité fondatrice est posée et masterisée de bout en bout, est-ce que les concerts ou les placements synchronisés (film/TV) redéfinissent la façon dont vous écrivez votre prochain chapitre ?
R : Ils ne changent pas nécessairement ma façon d’écrire, car l’écriture doit toujours venir d’un endroit honnête et intérieur avant tout. Mais poser cette fondation affine définitivement ma ligne de mire. Le prochain disque est déjà là, avec 10 morceaux ou plus prêts à partir, et il montrera une autre facette de moi sur le plan des paroles tout en élargissant ma musicalité. Que ce soit sur un écran ou en direct dans une salle, l’objectif reste le même : faire de la musique sans compromis pour les personnes qui sont réellement prêtes à l’écouter. Je préciserai aussi que les concerts ne sont pas mon objectif principal, mais si de bonnes opportunités se présentent, je les prendrai certainement en considération.