Derrière les sonorités rock alternatif et folk de son nouvel album, cet artiste explore avec une sincérité rare la quête d’identité et la dualité entre l’image de soi et la réalité intérieure. Dans cet entretien croisé entre confidences autobiographiques et choix artistiques, il revient sur la création du morceau inaugural « The Mirror » et sur sa démarche créative hybride, mêlant interprétation instrumentale et technologies IA. Une plongée passionnante au cœur d’un processus musical guidé avant tout par l’émotion et l’authenticité.
1. « The Mirror » ouvre votre prochain album, « Obsidian ». Pouvez-vous nous raconter l’histoire de ce morceau en particulier et nous expliquer pourquoi vous l’avez choisi comme porte d’entrée vers le reste de l’album ?
« The Mirror » est né d’une image très personnelle : un souvenir d’enfance où je m’asseyais devant le miroir de la salle de bain presque tous les matins quand j’étais au lycée, observant mon reflet, me demandant qui et ce que j’étais, et imaginant ce à quoi ma vie future pourrait ressembler. Cette image est finalement devenue le point de départ d’une chanson sur l’identité, l’image de soi et la relation entre la personne que nous voyons dans le miroir et celle que nous ressentons être à l’intérieur.
Sur le plan musical, je voulais que la chanson ait une atmosphère rock alternatif plus sombre, avec une certaine tension sous la surface. Il y a un contraste entre l’idée de liberté et de possibilité qui traverse les paroles et l’humeur plus inquiète de la musique.
Lorsque j’ai commencé à assembler « Obsidian », il était évident que « The Mirror » devait ouvrir l’album, car cette chanson introduit sa question centrale : dans quelle mesure l’identité que nous présentons au monde reflète-t-elle réellement ce que nous sommes ? C’est la porte d’entrée naturelle vers le voyage qui suit.
2. Vous avez mentionné que la chanson traite de l’identité et de la tension entre ce que nous sommes et la manière dont nous nous présentons. Y a-t-il une expérience personnelle spécifique qui a suscité cette réflexion ?
En dehors de cette scène particulière que je décris dans la chanson — qui peut être comprise symboliquement, mais qui est en fait autobiographique —, je pense qu’il s’agissait moins d’une expérience unique que d’un sentiment qui m’accompagnait depuis très longtemps. Enfant, j’étais plutôt timide et réservé. Au fil du temps, je me suis peu à peu affirmé dans une persona masculine beaucoup plus sûre d’elle et confiante. J’ai fini par habiter cette identité très naturellement et je l’ai vécue pendant de nombreuses années sans vraiment la remettre en question. Ce n’était pas simplement un rôle que je jouais consciemment, mais plutôt une adaptation aux attentes de mon entourage, et qui fonctionnait bien à l’époque — du moins, en apparence.
Avec le recul, il y avait pourtant toujours eu une certaine tension sous la surface. Lorsque j’ai commencé à expérimenter les vêtements féminins et le maquillage, je l’ai abordé presque comme un jeu, un peu comme un acteur qui essaie un nouveau personnage. Je m’attendais à de la curiosité ou de l’excitation, peut-être même au sentiment de faire quelque chose d’inhabituel. Ce à quoi je ne m’attendais pas, c’est le calme extraordinaire que j’ai ressenti. C’était comme si quelque chose d’agité depuis très longtemps s’était soudainement apaisé. Cette expérience m’a fait réaliser que, bien qu’étant devenu très à l’aise dans ma persona masculine, il y avait une autre facette de moi-même que je n’avais jamais vraiment laissée émerger.
Cette expérience précise, et le tournant qu’elle a représenté, est explorée plus directement dans « Line of Break », une chanson plus tardive dans l’album. C’est l’un des moments clés d’« Obsidian », marquant un basculement dans l’histoire qui mène progressivement à la chanson suivante. Je ne veux pas trop en révéler pour l’instant, mais la version dépoilée (raw) de « Line of Break » est déjà disponible sur SoundCloud et YouTube pour quiconque souhaite l’écouter.
Le souvenir d’enfance du miroir porte également une signification supplémentaire. Je me suis rappelé ce désir de vivre librement mon avenir, sans me limiter à ce que je devais être. Revenir sur ce souvenir lors de l’écriture m’a aidé à me reconnecter avec une partie de moi que j’avais progressivement perdue de vue. Je ne dirais pas que cela m’a apporté toutes les réponses, mais cela a certainement contribué à déclencher un long voyage de découverte de soi qui s’est finalement concrétisé dans cet album.
3. Votre univers musical mêle la tradition des auteurs-compositeurs-interprètes (singer-songwriters) à des touches de rock alternatif des années 1990 (comme The Cranberries et Garbage). Comment avez-vous élaboré cette palette sonore pour « Obsidian » ?
Mon bagage musical a toujours été très diversifié. J’ai été influencé par des auteurs-compositeurs-interprètes classiques comme Bob Dylan et Bruce Springsteen, mais aussi par des groupes de rock alternatif des années 90 comme The Cranberries, Garbage, Nirvana et The Smashing Pumpkins.
Je pense que ces deux influences ont trouvé leur place dans ma musique. La tradition des singer-songwriters a façonné ma manière d’aborder les paroles, les mélodies et le récit, tandis que le rock alternatif a influencé l’atmosphère, la dynamique et le son global de nombreux morceaux.
Mais « Obsidian » n’est pas vraiment lié à un style musical en particulier. L’album oscille entre la folk, l’indie pop, le blues rock et le rock alternatif, entre autres. Je vois cette diversité comme un élément du concept plutôt que comme un assemblage de styles sans lien entre eux. L’album raconte une histoire globale, mais chaque chanson en explore une facette différente, et je voulais que la musique reflète ces nuances. Certains aspects nécessitent un son plus intime ou mélancolique, tandis que d’autres demandent plus d’énergie, de tension ou même une certaine légèreté.
Ainsi, bien que les chansons empruntent des directions musicales assez différentes, je pense qu’elles appartiennent toutes au même univers. Ce qui les relie n’est pas tant un genre particulier, mais le voyage émotionnel qu’elles racontent ensemble.
4. Vous avez enregistré et produit « Obsidian » entièrement dans votre home studio. De quelle manière le fait de posséder votre propre espace créatif façonne-t-il vos expérimentations sur les arrangements et les sonorités ?
Avoir mon propre home studio me donne une immense liberté créative. Je peux travailler dès que l’inspiration me vient, sans être limité par des plannings de studio ou la pression du temps. Cela signifie aussi que je peux prendre tout le temps nécessaire pour développer une idée et peaufiner chaque détail d’un enregistrement.
Mon processus commence généralement par un arrangement de base, souvent limité à la guitare et au chant. À partir de là, je construis progressivement la chanson : j’enregistre mes propres parties de guitare, de basse et de clavier, et j’ajoute des batteries programmées et d’autres éléments au besoin. Je peux expérimenter différents sons, tester des arrangements et ajuster les choses jusqu’à ce qu’elles me semblent justes.
Évidemment, faire tout soi-même implique aussi de prendre la responsabilité de chaque étape de la production. C’est un processus d’apprentissage continu pour moi, particulièrement en ce qui concerne le mixage et le mastering. C’est extrêmement chronophage car je continue de développer mes compétences. Et parfois, je dois me rappeler que savoir quand s’arrêter est tout aussi important que savoir quoi modifier.
5. Votre processus de production est assez singulier, combinant vos propres interprétations en direct (guitare, basse, claviers) avec une production vocale et des pistes instrumentales assistées par IA. Comment équilibrez-vous la technologie pour préserver le côté brut et émotionnel de la musique ?
Pour moi, la technologie est un moyen de donner vie à mes idées musicales, et non un substitut au processus créatif lui-même. J’écris moi-même les paroles et les mélodies, généralement en commençant par une simple guitare acoustique et du chant. À partir de là, j’utilise régulièrement des outils d’IA pour explorer différents arrangements et directions musicales. Dès que je pressens ce qui pourrait être l’enveloppe musicale la plus adaptée à une chanson, je m’engage dans cette voie et j’enregistre la plupart des instruments moi-même, y compris les guitares, la basse et les claviers.
La voix est un autre aspect de ce processus. J’utilise un clone vocal basé sur ma propre voix, ce qui me permet de créer un son vocal beaucoup plus proche de ce que j’ai en tête. Il y a aussi une raison pratique à cela : ma technique de chant est encore largement autodidacte, et je n’ai pas encore développé la capacité de maintenir ma voix de manière constante dans le registre féminin dans lequel j’aimerais chanter. Ce clone vocal m’aide donc à obtenir une expression vocale qui correspond beaucoup plus à ce que je suis et à la façon dont je souhaite m’exprimer musicalement.
En fin de compte, je pense que le cœur émotionnel d’une chanson provient de l’écriture et des choix musicaux qui la sous-tendent. La technologie peut m’aider à sculpter le son, à superposer des couches ou à explorer de nouvelles possibilités, mais je me fie toujours à mon propre instinct pour décider de ce qui me semble juste. Je veux que la musique finale conserve le caractère et l’émotion de la chanson originale, plutôt que de devenir une production simplement polie sur le plan technique.
6. Vous avez commencé à sortir de la musique il y a environ un an, en passant d’un premier album « The Dune » — qui reposait davantage sur l’IA — à une approche beaucoup plus manuelle sur « Obsidian ». Comment votre confiance créative a-t-elle évolué au cours de cette transition ?
Il y a une nette différence entre la manière dont j’ai abordé la production de The Dune et celle d’« Obsidian ». Quand j’ai créé The Dune, j’utilisais encore la musique générée par IA de façon beaucoup plus extensive. Les possibilités offertes par la génération d’arrangements par IA étaient relativement nouvelles pour moi, et j’étais fasciné par la rapidité avec laquelle je pouvais transformer mes idées en versions entièrement arrangées. J’étais simplement enthousiasmé à l’idée d’entendre enfin ces chansons prendre vie.
Mais au cours de ce processus, j’ai progressivement commencé à ajouter mes propres interprétations — des phrasés de guitare, des parties supplémentaires et de petits détails musicaux —, car j’ai découvert à quel point ces contributions enrichissaient une chanson. Elles apportaient plus de caractère, de mouvement et de tension, et j’ai de plus en plus senti que mon propre jeu pouvait offrir à la musique quelque chose qui manque souvent aux arrangements purement générés par IA.
Cette expérience a changé ma manière d’aborder « Obsidian ». J’utilise toujours l’IA pour explorer le potentiel d’une chanson dans différents styles musicaux, mais une fois la direction trouvée, j’essaie d’enregistrer le maximum de choses moi-même. Le résultat est une approche hybride plus réfléchie, avec un apport beaucoup plus important de mon propre jeu et de mes choix musicaux.
Je pense que cela a également renforcé ma confiance en tant que physicien et musicien. Ma démarche d’écriture n’a pas vraiment changé — j’écris toujours les paroles et les mélodies de manière indépendante —, mais j’ai considérablement évolué dans la manière de développer ces idées initiales pour en faire des productions abouties.
7. Vous avez une stratégie de sortie très originale pour « Obsidian », en publiant des versions brutes et intimes exclusivement sur SoundCloud et YouTube avant d’inaugurer les versions complètes (full band) sur les plateformes de streaming. Qu’est-ce qui a inspiré cette double approche ?
Je voulais sortir à la fois les versions brutes et les versions entièrement produites des chansons d’« Obsidian » parce que j’ai le sentiment qu’elles offrent deux manières différentes d’expérimenter la même musique.
Les versions brutes sont généralement très proches de la façon dont les chansons ont vu le jour à l’origine — dépouillées jusqu’à leurs éléments essentiels, avec seulement la voix et la guitare acoustique. J’aime l’idée de les présenter sous cette forme pure et simple, pour laisser ressortir leur caractère d’origine. Cela donne également aux auditeurs un aperçu du point de départ des chansons avant qu’elles ne s’épanouissent dans des productions plus élaborées. Les versions complètes (full band), quant à elles, montrent ce que ces chansons peuvent devenir lorsqu’elles sont arrangées, enrichies de plusieurs couches sonores et dotées d’une production plus aboutie. Je ne les considère pas comme des versions supérieures ou définitives, mais comme une autre interprétation des mêmes idées musicales.
Il y a aussi un lien direct avec le concept qui sous-tend « Obsidian ». L’album explore l’identité et les différentes manières dont nous nous présentons au monde extérieur. D’une certaine manière, le fait de sortir les deux versions reflète cette idée : l’une révèle les chansons sous une forme plus dépouillée, tandis que l’autre les présente dans une version soigneusement façonnée et embellie. Ni l’une ni l’autre n’est nécessairement plus authentique. Ce sont simplement deux expressions différentes d’une même chanson sous-jacente.
Le calendrier de sortie n’est pas strictement chronologique. Deux chansons — évidemment « The Mirror » et bientôt « Shadow Skin » — paraissent sous forme de singles entièrement produits avant leurs équivalents bruts, tandis que d’autres versions brutes sont publiées entre-temps. Mon intention est qu’au moment où l’album produit sortira sur les plateformes de streaming, toute l’histoire soit déjà disponible sous sa forme brute sur SoundCloud et YouTube. Ainsi, les auditeurs pourront explorer les deux versions en parallèle, ou même découvrir l’album sous sa forme dépouillée avant d’en explorer les productions complètes.
8. Vous avez cité des références très diverses, allant d’auteurs-compositeurs-interprètes classiques comme Bob Dylan et Bruce Springsteen à des artistes contemporaines comme Taylor Swift et Beth Hart. Comment ces univers différents se croisent-ils dans votre propre processus d’écriture ?
Je me rends compte que ces artistes viennent d’univers musicaux assez éloignés, mais ce qui les relie selon moi, c’est leur capacité à rendre une chanson à la fois intime et universelle. Chacun d’eux a une manière très personnelle de raconter des histoires, de créer des mélodies marquantes et d’exprimer des émotions sans jamais perdre son identité.
Bob Dylan et Bruce Springsteen ont certainement influencé ma façon de concevoir la narration dans les chansons. Taylor Swift est un autre formidable exemple de la manière dont des expériences personnelles peuvent être transformées en récits qui résonnent auprès d’un public très large. Et chez une artiste comme Beth Hart, je suis très touché par l’intensité émotionnelle et la directivité de ses interprétations.
Je ne cherche pas consciemment à combiner ces influences lorsque j’écris. Ce que j’en retire relève moins d’un son ou d’un style particulier que de l’idée qu’une chanson doit avoir son propre caractère, raconter quelque chose de porteur de sens et faire ressentir des émotions. C’est ce que j’essaie de retrouver dans mon propre travail d’écriture.
9. Dans la mesure où « Obsidian » est actuellement un projet centré sur le studio, sans concerts prévus, comment envisagez-vous la transposition sur scène de ces morceaux très personnels si vous décidiez un jour de faire de la scène ?
Je n’ai pas de projets concrets de concerts pour l’instant, mais c’est certainement quelque chose que j’aimerais explorer. Je commence déjà à faire quelques démarches pour trouver d’autres musiciens avec qui jouer, en particulier des chanteuses ou chanteurs qui pourraient être intéressés à l’idée d’amener ces chansons sur scène.
Certains arrangements studio sur « Obsidian » sont assez complexes et riches en couches sonores, donc je ne pense pas que chaque détail puisse ou doive être reproduit à l’identique en concert. Les chansons devraient probablement être adaptées aux musiciens et aux instruments disponibles, quitte à prendre un caractère légèrement différent au passage.
C’est d’ailleurs l’un des aspects qui me stimulent dans cette idée. Travailler seul en studio me donne un contrôle total sur les arrangements, mais jouer avec d’autres impliquerait de faire de la place pour leurs idées et leurs interprétations. J’imagine très bien que certaines chansons pourraient évoluer de manière inattendue grâce à cette collaboration. Plutôt que de simplement recréer les enregistrements, j’aimerais voir ce que la musique pourrait devenir lorsqu’elle sera portée par un groupe de musiciens.
10. Pour résumer votre philosophie artistique, vous avez déclaré un jour : « Je ne pars pas d’un genre musical. Je pars d’une chanson, puis j’essaie de découvrir quelle musique cette chanson demande à devenir. » Pouvez-vous nous expliquer à quoi ressemble ce moment de découverte pour vous ?
Toutes mes chansons partent d’une histoire en tête, donc les paroles viennent presque toujours en premier. Dès que je commence à les chanter, ou plutôt à les fredonner et à les murmurer en m’accompagnant à la guitare acoustique, je sens que le sens de la chanson me guide vers une mélodie et une progression d’accords particulières.
Ce n’est que dans de rares cas que j’ai déjà un petit lick ou un riff sous la main et que je choisis d’intégrer parce qu’il s’y prête bien.
À ce stade, la chanson a déjà une certaine humeur ou un certain caractère, mais sa direction musicale n’est pas toujours évidente. Parfois, j’ai une idée assez claire de ce à quoi elle devrait ressembler ; d’autres fois, je suis curieux de découvrir ce qui pourrait d’autre émerger.
C’est là que l’expérimentation de différents styles entre dans mon processus. J’utilise des arrangements générés par IA pour tester la manière dont une chanson peut fonctionner dans différents cadres musicaux. C’est une sorte de processus d’exploration musicale : je peux très vite entendre si une direction particulière fait ressortir un aspect intéressant de la chanson ou m’emmène vers quelque chose d’inattendu. Parfois, ces essais ne font que me confirmer ce que j’avais en tête depuis le départ. À d’autres moments, un arrangement inattendu révèle une facette de la chanson que je n’avais pas remarquée. Mais en fin de compte, il ne s’agit pas d’une décision intellectuelle sur le choix d’un genre. C’est davantage un sentiment de reconnaissance — quand j’écoute une version et que je me dis : oui, c’est ce que cette chanson veut être.
À partir de là, je peux commencer à façonner l’arrangement et la production de manière plus délibérée. Le style n’est pas quelque chose que j’impose à la chanson ; c’est quelque chose que j’essaie de découvrir en elle.
Le morceau « Shadow Skin », qui doit sortir prochainement, est une rare exception à ce processus habituel d’écriture. Il a commencé alors que je m’amusais sur un xylophone dans un magasin de musique et que je suis tombé sur une petite mélodie. Elle avait quelque chose de merveilleusement ludique et d’entraînant. Cela m’a rappelé la façon dont vos cheveux, vos bras et vos épaules bougent presque en rythme lorsque vous marchez en ville d’un pas léger. Cette petite idée musicale est venue en premier, et les paroles ont découlé du sentiment et de l’imagerie qu’elle évoquait. Il était clair dès le départ que cela deviendrait un morceau pop-rock dynamique et Feel-good sur la joie paisible d’être enfin bien dans sa peau. Ainsi, contrairement à la plupart de mes chansons, dans ce cas précis, la musique a inspiré l’histoire plutôt que l’inverse.
Alors, si vous avez aimé « The Mirror », j’espère que vous écouterez « Shadow Skin » lors de sa sortie le 20 novembre. Le son sera peut-être très différent, mais c’est une autre facette du même voyage — et je serais ravi que vous découvriez aussi cet aspect-là.