Dans un paysage musical où les frontières entre passé et présent se dissolvent, ADÀI dont nous vous recommandons le catalogue musical, s’impose comme une artiste audacieuse et innovante. Avec son dernier album, The Bloom Project, elle réinvente le shidaiqu, ce genre emblématique de Shanghai des années 1920, en y insufflant une perspective féministe et contemporaine. Fusionnant instruments traditionnels chinois, rythmes EDM et textures hip-hop, Adai offre une expérience sonore où nostalgie et modernité cohabitent harmonieusement.
Dans cette interview, nous explorons son univers singulier, ses choix artistiques et sa vision de la musique, tout en découvrant comment elle transforme les classiques du shidaiqu en hymnes d’autonomie et d’émancipation féminine. Un dialogue avec une voix qui, entre héritage et innovation, redéfinit les codes d’un genre musical centenaire.
1 – The Bloom Project allie tradition et modernité de manière unique. Qu’est-ce qui a donné naissance à cet album ?
J’ai toujours été fasciné par le shidaiqu, cette fusion précoce de l’Orient et de l’Occident qui a façonné la pop chinoise moderne dans les années 1930 et 1940. C’était la première fois que des voix féminines chinoises faisaient leur apparition sur les ondes, et pourtant, la quasi-totalité des producteurs et auteurs-compositeurs étaient des hommes. Les femmes n’étaient pour la plupart que la voix, et non les créatrices. Revivre cette époque m’a donné l’impression d’explorer des histoires d’auteurs inédites : cette fois, je suis le producteur, porteur de la vision, façonnant à la fois le son et l’histoire.
L’étincelle est venue de la prise de conscience que le dialogue entre passé et présent, tradition et technologie, a encore tant à dire. Je voulais honorer cette histoire, mais aussi la réinventer, comme faire cohabiter les guzhengs et les 808, et laisser une mélodie centenaire vibrer sur un rythme électronique.
2 – Si vous deviez décrire le son de l’album en trois mots, quels seraient-ils ?
Féminin. Cinématographique. Électrique.
Luxueux et émotionnel, il est pourtant porté par le rythme et le sound design. Chaque morceau oscille entre douceur et puissance, Orient et Occident, nostalgie et futurisme.
3 – Le féminisme et l’émancipation sont des thèmes forts de votre musique. Quel message espérez-vous que les auditeurs retiennent de cet album ?
Je veux que les auditeurs, et plus particulièrement les femmes, sentent que nous sommes capables de définir nos propres récits. Autrefois, dans les chansons shidaiqu, les femmes ne pouvaient exprimer que leur désir ou leur aspiration : « Qui m’aimera ? Sur qui puis-je compter ?» car elles avaient peu de choix dans la vie réelle. Mais aujourd’hui, en tant que femme issue de cette nouvelle génération, je préfère m’exprimer avec une liberté créative : où est ma valeur ? Que puis-je créer ? Comment puis-je faire la différence ?
Lors de la sélection pour les Grammy Awards, lorsque j’ai présenté l’album, j’ai reçu des retours touchants de la part de tous types d’auditeurs. Des musiciens chinois m’ont dit : « Je n’ai jamais entendu mon instrument sonner comme ça !», tandis que le public occidental a déclaré : « Je n’aurais jamais imaginé que les instruments chinois puissent sonner aussi moderne.» Et les auditeurs chinois ont souvent dit : « C’est à la fois étrange et familier.» Ces réactions sont très importantes pour moi. Si ma musique peut aider les gens à entendre la tradition d’une nouvelle manière, c’est une forme d’émancipation en soi.
4 – Pouvez-vous nous décrire les coulisses de votre processus créatif lors de la création de The Bloom Project ?
Chaque chanson commence différemment. Je n’ai pas vraiment de formule unique : chaque morceau se révèle à sa manière.
Un exemple : partir de l’harmonie. Pour des chansons comme « Night Shanghai » ou « A Lost Singer », j’ai commencé par poser des accords au clavier et j’ai chanté librement dessus, laissant la mélodie guider l’harmonie. Ensuite, j’ai ajouté des éléments rythmiques, des percussions subtiles aux rythmes plus lourds, jusqu’à ce que le morceau trouve son rythme.
Une deuxième méthode consiste à commencer par une ligne de basse. Par exemple, « River Run » a débuté avec le riff de basse que l’on entend dès le début. C’était la colonne vertébrale du morceau. Une fois le groove suffisamment puissant, j’ai construit une batterie house autour. Arrivé à la montée en puissance, j’ai senti qu’il manquait quelque chose entre la tension et la chute, alors j’ai sorti un plug-in yangqin et j’ai comblé ce vide avec ces textures de cordes martelées brillantes. Ce moment est devenu la première touche d’instrumentation est-asiatique dans la chanson. Plus tard, j’ai intégré une mélodie folklorique du Yunnan, en Chine, en utilisant des textures électroniques et une couche de bourdons de dizi (flûte chinoise). Mon coproducteur Electron a également ajouté du shakuhachi japonais et d’autres textures électroniques, le tout fusionnant en une seule texture sonore.
Le troisième processus est celui où un morceau naît d’une collaboration. « Wuxi Tune » m’est venu de mon amie Siyi Chen, joueuse de guzheng et arrangeuse, qui avait déjà réalisé une interprétation jazz de cette mélodie séculaire. Elle m’a envoyé ses stems, et mon coproducteur Yuanming Zhang et moi les avons entièrement déconstruits : j’ai découpé, retourné et retraité les morceaux, intégrant des rythmes UK Garage à l’arrangement. J’ai réaffecté les notes entre les instruments, parfois en découpant la mélodie de manière à ce que les premières notes soient jouées par le saxophone, les suivantes par le piano, puis par le guzheng. C’est ainsi que le morceau est devenu ce collage complexe, saccadé mais fluide.
Et parfois, l’étincelle vient d’un son emblématique que j’ai imaginé pendant des années. Prenez « Carmen ». Enfant, j’étais obsédée par la mélodie de « Habanera » de Carmen, et je me suis toujours demandée comment elle sonnerait sur un guzheng. Quand j’ai commencé cet album, je savais déjà que ce serait la pièce maîtresse : le guzheng qui porte ce célèbre air. J’ai construit la ligne de basse autour de lui, puis, pour le solo, je ne voulais pas une simple reproduction de la mélodie originale. Je voulais quelque chose de sauvage, presque « injouable », une version qui pousse l’instrument au-delà de ses limites d’accordage. C’est pourquoi le plug-in de guzheng échantillonné est devenu si crucial. Il m’a permis d’imaginer ce que l’instrument réel ne pouvait pas faire physiquement.
5 – Quel morceau de l’album vous touche le plus, et pourquoi ?
C’est une question délicate. Je ne peux pas dire qu’il n’y en ait qu’un seul. Si vous demandez à une mère quel enfant elle aime le plus parmi tous ceux qu’elle a mis au monde et élevés, je parie que vous n’obtiendrez pas de réponse directe. J’ai consacré autant de temps, d’attention et d’efforts à chacun d’eux. C’est vraiment difficile à dire. Mais je peux vous dire que pour A Lost Singer, j’ai eu une otite juste après avoir enregistré l’erhu pendant trois heures d’affilée. Et j’ai eu des crises de nerfs lorsque j’ai essayé un solo aux millions de shakuhachi pour Wild Thorny Molihua. Et j’ai aussi eu un moment d’éveil lors de l’enregistrement de River Run, lorsque j’ai appliqué la mélodie altérée d’une mélodie folklorique du sud de la Chine à un synthétiseur métallique. Mais une fois qu’ils sont diffusés, ils appartiennent au public. J’aime que les auditeurs s’y connectent désormais à leur manière, sans que je les influence.
6 – Vous mélangez des instruments traditionnels chinois avec des genres modernes. Comment avez-vous abordé cette fusion ?
Comme pour la question 4. Les approches diffèrent pour chaque chanson. Mais toutes naissent de mon imagination et de ma vision sonore.
7 – Les collaborations peuvent façonner un album. Y a-t-il eu un collaborateur particulier qui a le plus influencé le son ou la direction ?
Aucun individu, et c’est là toute la beauté du projet. Chaque collaborateur a apporté quelque chose d’essentiel. Je n’invite que des personnes dont je sais que le son résonnera avec le morceau.
SHI, par exemple, est un joueur de guzheng et un producteur de synthwave, parfait pour mélanger des sons organiques et des textures électroniques. Jack Choi apporte sa sensibilité débordante pour l’EDM et la K-pop. Electron est une référence en matière de synthwave et d’électropop. Yuanming Zhang est un génie sonore complet qui a également réalisé mon mixage audio spatial. Siyi Chen apporte du jazz et des nuances acoustiques. Certains contributeurs collaboraient pour la première fois, mais d’autres sont des collaborateurs avec qui j’avais déjà travaillé sur des projets précédents, comme Malcolm Welles qui possède, entre autres, une vaste expérience de la production de musique électronique. Quant aux instrumentistes et ingénieurs de mixage/mastering, ils ont bénéficié d’une liberté créative pour s’exprimer et apporter leur contribution à l’ensemble. En tout cas, je dirais que je suis vraiment doué pour choisir la bonne personne pour chaque projet ! J’ai construit la structure à partir de ma vision, puis j’ai fait appel à des personnes capables de la développer de manière inattendue. L’album est plus riche grâce à cet échange. Enfin, comme je l’ai déjà dit, chaque chanson étant une aventure en soi, avoir quelqu’un comme Rachel Alina, qui comprend parfaitement les aspects techniques et artistiques du métier, pour s’assurer que toutes les pièces du puzzle s’assemblent parfaitement lors de la phase de mastering a été un atout précieux.
8- Comment vos influences multiculturelles façonnent-elles votre identité musicale et votre narration ?
Enfant, l’opéra de Pékin passait en permanence à la télévision chez mon grand-père, et des airs folkloriques s’échappaient sans cesse des bourdonnements aléatoires de ma famille. D’un autre côté, ayant grandi à Pékin avant et après les Jeux olympiques de 2008, j’ai été témoin de la croissance rapide et de l’ouverture d’esprit de cette ville, baignée d’une multitude de connaissances et d’informations. J’ai eu le privilège d’étudier dans des écoles à l’esprit diversifié, avec des étudiants internationaux et des options allant de la composition musicale à la robotique, en plus du programme scolaire classique en Chine. Parallèlement, je me suis imprégné de la culture pop occidentale à travers les classements Billboard et les films hollywoodiens, et j’ai même appris l’allemand à l’université pour élargir ma vision du monde. Après dix ans passés à travailler comme artiste-producteur en Chine et aux États-Unis, j’ai fini par trouver ma propre façon de raconter mes histoires.
Vivre entre différentes cultures m’apporte bien plus qu’une simple perspective ; cela me permet de me découvrir. C’est la beauté de la création interculturelle : on commence à percevoir comment les mondes peuvent coexister. Je peux rencontrer un joueur de guzheng en Chine qui n’imagine pas son instrument sur un morceau EDM, mais dans ma tête, ce son existe déjà. Parce que j’ai évolué des deux côtés – dans les studios de Pékin et les clubs new-yorkais – je peux être un pont. Mon identité n’est pas divisée, elle s’élargit. Et j’apprécie d’être une personne aux multiples facettes qui connecte les oreilles, les cultures et les cœurs !
9 – Après The Bloom Project, quels projets ou orientations passionnants envisagez-vous pour la suite ?
Excellente question. D’une part, je prépare un doctorat en musicologie à l’Université de Virginie, où j’étudie la production, l’industrie et la culture pop avec un regard critique. C’est un parcours créatif passionnant qui approfondit ma réflexion tout en me permettant de rester connecté à la création musicale.
D’autre part, je développe des idées pour de nouvelles chansons et collaborations. Lors des récents votes pour les Grammy Awards, j’ai rencontré plusieurs artistes qui partagent ma vision, et nous prévoyons des collaborations passionnantes pour les mois à venir. De plus, The Bloom Project pourrait ne pas être terminé, car d’autres chapitres pourraient suivre.
J’aborde la suite avec détermination et ouverture d’esprit, en lui permettant d’évoluer naturellement, comme l’a fait The Bloom Project.
10 – Enfin, si un nouvel auditeur ne devait entendre qu’une seule chose à propos de cet album, que souhaiteriez-vous qu’il ressente ou vive ?
Je voudrais qu’il sente que la coexistence est possible. L’Orient et l’Occident, la tradition et la technologie, la féminité et la force peuvent cohabiter dans un même son.
