Dans cet entretien exclusif, le projet Decadent Heroes lève le voile sur les coulisses de Climax, un album instrumental aussi cinématographique qu’intime. Entre quête obsessionnelle du son parfait, célébration des imperfections humaines et affranchissement du regard des autres, l’artiste se confie sur sa maturité artistique. Découvrez un échange captivant où la guitare remplace la voix pour raconter des histoires brutes et habitées.
1. Climax ressemble à un voyage instrumental très cinématographique et émotionnel. À quel moment avez-vous réalisé que cet album était devenu votre œuvre la plus personnelle à ce jour ?
C’était probablement dès le premier instant, juste au moment où j’ai composé « Minutes Away ». J’ai tout de suite senti que je n’écrivais pas simplement une chanson de plus, mais que je déversais mes émotions les plus intimes et personnelles directement dans la musique.
Normalement, quand on s’assoit pour écrire, l’esprit est très occupé par l’aspect technique : la structure, la mélodie, les progressions d’accords, les arrangements… Cette fois-ci, tous ces éléments ont coulé naturellement, presque comme s’ils m’étaient dictés de l’extérieur. Mon seul travail consistait à les capturer et à les traduire en musique. Ce canal d’expression brut et sans effort m’a fait prendre conscience que ce disque allait être différent, représentant une maturité artistique plus profonde que tout ce que j’avais fait auparavant.
2. Vous avez décrit la guitare comme une « voix narrative ». Comment abordez-vous l’écriture de mélodies capables de transmettre des émotions sans paroles ?
Quand j’aborde une mélodie, je pense exactement comme un chanteur. Chaque phrase de guitare doit avoir une raison d’exister, une direction claire et de l’espace pour respirer. Je ne construis pas une chanson pour avoir un prétexte à jouer des solos de guitare de cinq minutes ; je ne joue que parce que j’ai réellement quelque chose à dire.
Si vous écoutez attentivement, la guitare sur Climax ne se contente pas d’exécuter des schémas techniques : elle pleure, chuchote, chante ou hurle. La mélodie doit pouvoir être fredonnée et rester mémorable, en remplaçant totalement le chanteur.
3. L’album oscille entre des morceaux explosifs comme The Dragon et des pièces atmosphériques telles que Minutes Away. Était-ce important pour vous de créer de contrastes forts tout au long du disque ?
Absolument. La vie n’est pas linéaire ; elle est faite de hauts et de bas, et je voulais que Climax reflète cette amplitude émotionnelle. Un morceau comme Minutes Away représente cet espace introspectif et doux-amer qui suit immédiatement la fermeture d’une porte, tandis que The Dragon est de l’énergie pure et explosive.
Le véritable défi n’était pas seulement de créer le contraste, mais de s’assurer que même les morceaux atmosphériques et plus calmes conservent une intensité émotionnelle profonde. Je suis la personnalité naturelle de chaque chanson, sans rien forcer.
4. Vous avez passé des mois à peaufiner les préréglages de votre Helix HX Stomp avant d’enregistrer. À quel point êtes-vous obsessionnel en ce qui concerne le grain de guitare (le tone), et pourquoi l’obtention du « bon son » était-elle si essentielle pour Climax ?
Pour moi, le son de la guitare est fondamental pour transmettre des émotions. Si le son n’est pas le bon, le message est déformé. Je suis incroyablement méticuleux à ce sujet : j’ai passé des mois à peaufiner mes préréglages sur le Line 6 HX Stomp et à perfectionner la chaîne de signal pour ma PRS Custom 24.
Ma référence absolue pour le son principal (lead) était l’album Resolution d’Andy Timmons. Je me souviens de la première fois où j’ai entendu le morceau Deliver Us : ce son de lead massif, chaud et gigantesque m’a époustouflé. Je me suis dit : « C’est le son que je cherche depuis toujours. » J’ai utilisé cet album spécifique comme étalon de qualité : si mon son de lead tenait la route face au chef-d’œuvre de Timmons, alors je savais que l’album était prêt.
5. Malgré des sons de guitare très produits, vous avez délibérément gardé de nombreuses prises de lead brutes et relativement non éditées. Pourquoi la préservation de l’imperfection et de la spontanéité était-elle si importante pour vous ?
Parce que la musique moderne est étouffée par la perfection numérique. Aujourd’hui, de nombreuses productions rock sonnent artificielles parce que tout est parfaitement aligné sur une grille numérique et sur-édité. Je voulais une production de la qualité d’une major, mais avec un cœur organique qui respire.
Lors de la première ou de la deuxième prise, on joue purement par instinct et par urgence, sans trop réfléchir. Laisser de petites imperfections naturelles prouve qu’un véritable être humain fait vibrer ces cordes dans une vraie pièce. Je choisirai toujours l’âme et la substance plutôt qu’une perfection clinique.
6. Des artistes comme Joe Satriani, Andy Timmons et Jeff Beck ont clairement influencé votre identité musicale. Quelles leçons avez-vous tirées d’eux tout en développant votre propre son ?
De Satriani et Beck, j’ai appris la qualité vocale du son de guitare, cette incroyable capacité à faire « chanter » une mélodie, parfois même mieux qu’une voix humaine. De Timmons, j’ai appris comment un morceau rock puissant peut porter une mélodie magnifique et mémorable sans perdre une once d’agressivité.
Cependant, je voulais prendre un chemin différent pour Climax en construisant un arrangement plus complexe et orchestré. J’ai superposé plusieurs pistes de guitares rythmiques (claires, crunch et saturées) et j’ai ajouté des couches de claviers lorsque les chansons avaient besoin d’une profondeur cinématographique. J’ai pris leurs leçons sur le phrasé vocal et je les ai déployées dans un mur de son beaucoup plus imposant.
7. Vous avez collaboré avec des musiciens tels que Dennis Holt, Pino Saracini et Rich Gray sur cet album. Comment leurs performances ont-elles contribué à façonner l’âme et la dynamique du disque ?
Je voulais une énergie humaine de niveau international, j’ai donc collaboré avec un groupe de musiciens incroyables. Dennis Holt (batterie) a été la pierre angulaire absolue de la section rythmique principale ; son jeu est incroyablement musical, puissant et dynamique. Des bassistes comme Fausto Berardo, Pino Saracini, Rich Gray, Marcin Palider et Brian Barton ont parfaitement façonné l’ambiance et le groove des morceaux centraux.
Pour les versions alternatives, Darrell Nutt et Francesco Coppola Bove ont apporté une superbe énergie de batterie à haute tension, et Artur Lenivenko a contribué à de magnifiques nappes de clavier sur « Hype ». Honnêtement, ces musiciens n’ont pas d’égaux. En évitant la quantification numérique et en laissant respirer leur tempo naturel, ils ont donné à Climax un battement de cœur organique qu’aucune machine ou logiciel ne pourrait jamais reproduire.
8. The Dragon frappe immédiatement par sa puissance, son groove et son intensité. Avez-vous toujours su que ce morceau ouvrirait l’album et représenterait son identité visuelle à travers le clip officiel ?
Oui, il est né pour être l’ouverture. Il possède une grandeur cinématographique et épique qui annonce immédiatement les intentions de l’album. En fait, le morceau a été inspiré par un rêve très précis que j’ai fait, où un dragon menaçant envahissait la scène d’un concert de rock.
Lorsque j’ai développé le concept du clip, j’ai repris ce rêve pour le transformer en une apocalypse métropolitaine à grande échelle. C’est devenu un puzzle visuel : le clip contient en réalité des références subtiles à chaque morceau de l’album, offrant une expérience plus profonde à ceux qui y prêtent une attention particulière.
9. Vous avez mentionné que Climax représente le moment où vous avez cessé de chercher la validation externe pour poursuivre l’honnêteté dans votre musique. Y a-t-il eu un déclic particulier qui a changé votre état d’esprit artistique ?
Le déclic a été la prise de conscience de la mesure dans laquelle l’industrie musicale et les salles de concert avaient changé. J’ai vu des groupes être remplacés par des pistes préenregistrées et des échantillons de soutien, et l’art devenir un produit de validation.
Après la séparation de mon dernier groupe, je suis passé par une phase de profonde introspection. J’avais l’habitude de penser que l’accomplissement ultime était que les gens valident mes compétences techniques à la guitare, mais pendant le processus d’écriture solitaire de cet album, cet état d’esprit s’est complètement dissous. J’ai réalisé que l’approbation externe ne m’importait plus ; je voulais juste dire ma vérité. Aujourd’hui, ma plus grande satisfaction est simplement de savoir que cette musique résonne avec les gens et les touche émotionnellement.
10. Après avoir atteint ce « climax » sur le plan créatif, où voyez-vous Decadent Heroes aller ensuite ? Entendez-vous déjà le prochain chapitre se former dans votre tête ?
Pour l’instant, je me concentre entièrement sur le fait de donner à Climax le lancement qu’il mérite, de sortir d’autres vidéos et de permettre à la musique de toucher les auditeurs du monde entier.
Des idées pour le prochain chapitre tourbillonnent toujours discrètement dans un coin de ma tête, mais je ne veux pas précipiter le processus de création. Concernant l’avenir des concerts, c’est une chose à laquelle je réfléchis, mais seulement si je parviens à trouver un format durable et approprié pour présenter cette musique à l’avenir. Pour le moment, je profite simplement de cette sortie et je prends les choses une étape à la fois.