À travers son premier single Profanity, JK Jerome transforme les échos d’une enfance marquée par la précarité en une poésie indie d’une rare finesse. Entre mélancolie acoustique et textures électroniques, il livre ici un témoignage poignant sur la résilience et la quête d’identité. Un entretien intimiste sur le besoin vital de transformer les cicatrices du passé en art.
Votre premier single Profanity semble profondément autobiographique. À quel moment avez-vous réalisé que cette histoire personnelle devait devenir une chanson ?
J’écris des chansons depuis presque toute ma vie d’adulte et j’ai toujours puisé mon inspiration dans mon vécu. Écrire sur sa propre vie est un processus cathartique. Pour Profanity, j’aimais l’idée de m’adresser à une version plus jeune de moi-même, bien plus ambitieuse. Je l’ai écrite pendant le confinement, à un moment de réelle introspection. Les thèmes de l’opportunité et de la persévérance occupaient beaucoup mes pensées à l’époque. C’était comme une complainte, mais aussi une conversation — quelque chose que je devais clarifier avec moi-même avant de pouvoir avancer.
La phrase « Profanity is a single parent family » (Le blasphème, c’est la famille monoparentale) est particulièrement puissante. Pourquoi était-il important pour vous de vous réapproprier une réalité qui était si stigmatisée dans la Grande-Bretagne des années 90 ?
Cette phrase vient de quelque chose que ma mère me disait à propos de la stigmatisation des mères célibataires à cette époque en Grande-Bretagne. La façon dont les gens jugeaient, dont ils cherchaient des coupables pour la détérioration de la cellule familiale. Nous luttions à une époque où tout le monde semblait prospérer. C’était une juxtaposition douloureuse. Je me souviens avoir écouté « Common People » à la radio et avoir pensé à notre papier peint bon marché sur les murs. Nous étions heureux, mais il était impossible de ne pas comparer. Notre mère était la femme de ménage chez mon meilleur ami. En tant qu’enfant, on intériorise ce genre de choses.
Vos paroles abordent la pauvreté, la classe sociale et le potentiel inabouti. Pensez-vous que la scène indie actuelle laisse assez de place à ce genre de récits sociaux ?
Je pense que le véritable Indie, qui a l’indépendance en son cœur, devrait avoir de la place pour les messages sociaux. Le vécu façonne ce type de sujets, et il est difficile d’écrire sur la pauvreté si l’on vient d’un milieu aisé. Beaucoup d’artistes, d’acteurs et de musiciens aujourd’hui bénéficient de soutiens. Je pense que la classe ouvrière est moins représentée dans les industries créatives et, par conséquent, nous nous appauvrissons sur le plan créatif. Nous avons homogénéisé la représentation. De mon côté, en grandissant, je n’étais pas « classe ouvrière », mais j’étais pauvre et je vivais dans une communauté rurale coupée de toute opportunité. Les cartes étaient contre moi. On peut y arriver, mais le chemin est beaucoup plus long et difficile. Il faut vraiment aimer le processus et sentir que c’est sa vocation. De plus, le streaming a rendu plus difficile la survie financière des artistes émergents. Mais si c’est votre vocation, vous trouvez un moyen — il faut juste être plus ingénieux.
Musicalement, Profanity mélange une chaleur acoustique avec des textures presque spectrales. Comment avez-vous construit cette identité sonore autour de la guitare en « finger-picking » et de la pédale Chase Bliss Mood ?
Cette pédale a été une révélation. Une autre découverte du confinement. Traditionnellement, je me considérais comme un auteur-compositeur-interprète pur et dur. Je jouais de la guitare acoustique et je chantais, mais des influences électroniques se sont glissées, et j’ai voulu élargir mon son. J’ai grandi en écoutant du trip-hop et de l’électro autant que de l’indie et du folk ; je voulais trouver un mélange de toutes ces influences et le delay a aidé à recadrer mon son. Quand j’ai rencontré mon producteur, Redshank, nous sommes partis sur l’idée que cette signature de delay serait présente sur tout ce projet. Elle est sur les quatre singles qui sortiront avec cet EP. Il a aidé à façonner le reste du son avec du « foley » (bruitages) et des aspects glitchy à partir de matériaux sources que j’ai fournis. Ce n’est que la première sortie, nous avons travaillé sur neuf titres au total pour l’instant et d’autres arrivent.
Votre son a été comparé à celui de Nick Mulvey et Bon Iver. Quels artistes ont véritablement façonné votre manière d’écrire et de composer ?
Je pense que les influences façonnent différentes choses à différents moments. Mon chant a été fortement influencé par l’écoute de Tracy Chapman et Thom Yorke pendant ma jeunesse. Pour les paroles, mon père a été une influence majeure et m’a appris à m’assurer que mes textes aient du sens. Nous écoutions Bonnie Prince Billy, Gillian Welch, Leonard Cohen et Iron & Wine. Ma chanson préférée est 1979 des Smashing Pumpkins. Une autre chanson avec des paroles fantastiques. Tous ces artistes ont façonné mon son au fil des ans. Plus récemment, j’ai adoré écouter Jono McCleery. Je pense que les auteurs-compositeurs devraient être ouverts aux influences en permanence, mais je pense aussi qu’il ne faut pas trop y réfléchir au moment de la création.
Vous avez déjà joué lors d’événements majeurs comme Boardmasters, BST Hyde Park et le Festival de l’île de Wight. Quelle a été votre expérience de scène la plus inoubliable jusqu’à présent ?
Faire la première partie de Goldfrapp à Somerset House a été une expérience marquante pour moi. C’était quelque chose de spécial. J’ai aussi adoré jouer sur la scène principale de Boardmasters. C’était une journée magnifique et les gens passaient, s’asseyaient et écoutaient ; c’était intime mais presque onirique. C’est très amusant de jouer sur de plus grandes scènes, on a tellement d’espace et le son est fantastique.
Vous avez également joué en direct sur BBC Radio 2 avec Dermot O’Leary. Ce genre d’exposition change-t-il la vision qu’un artiste a de sa propre musique ?
Je pense qu’une telle exposition vous donne un sentiment de validation. On commence à croire qu’on a sa place. Pas qu’on est soudainement célèbre, mais plutôt qu’on est assez bon pour être là. Je pense que c’est en fait le plus grand point positif : non pas l’exposition ou la crédibilité, mais le sentiment de mériter sa place à table.
Avant de lancer ce projet solo, l’un de vos anciens groupes a dépassé le million de streams sur Spotify. Qu’est-ce que ce nouveau voyage en solo vous permet d’exprimer différemment ?
Je pense qu’être dans un groupe peut ressembler à un compromis. La plupart des gens veulent que tout le monde ait une voix et se sente écouté, mais cela peut brouiller les pistes. Une fois que le management et les producteurs s’en mêlent aussi, les chansons peuvent prendre des directions que vous n’aviez pas prévues. Toutes ces chansons ont été écrites par moi. Je ne pense pas aux pressions extérieures ni aux influences internes au groupe. C’est l’occasion de faire tout ce que je veux. Il y a quelque chose d’incroyablement libérateur là-dedans. Je pense que le meilleur travail vient de ce genre de contrôle et du fait de faire confiance à son instinct avant tout le reste.
Votre musique semble très cinématographique et immersive. Considérez-vous vos chansons comme une forme de narration visuelle autant que musicale ?
Absolument. Je pense que les paroles peuvent être puissantes. Comme les livres, elles peuvent vous immerger dans une pensée ou un sentiment. Nous avons tous un cinéma intérieur dans notre esprit qui rejoue des scènes et revit des moments. Les sons capturent ces échanges et permettent aux gens de rêver.
Profanity marque le début officiel de votre aventure solo. Après une première écoute, qu’espérez-vous que les gens retiennent de JK Jerome ?
J’espère que les gens apprécieront l’expérience et pourront s’y identifier. Je suis une personne heureuse au quotidien, mais je trouve une réelle beauté dans la mélancolie. Je pense que l’idée selon laquelle les chansons sont déprimantes est réductrice. Je pense que les chansons qui provoquent des émotions peuvent être joyeuses, même si le sujet est triste. Avec cette première chanson, j’espère susciter l’intérêt des gens et, peut-être, que quelques-uns se sentiront accompagnés. Nous sommes tous humains après tout, et chaque vie a sa multitude de hauts et de bas, de flux et de reflux partagés.