Plonger dans l’univers musical de Malkotron, c’est explorer un territoire où la complexité progressive rencontre une vulnérabilité brute et saisissante. À travers la sortie de son nouvel album « No Paradise », l’artiste se livre sans concession sur son processus de composition et les thématiques sombres qui traversent ses morceaux. Loin des récits linéaires figés, il privilégie une approche universelle qui invite chaque auditeur à se réapproprier les textes. Cet entretien offre une plongée fascinante dans la genèse d’une œuvre façonnée par l’exigence artistique, la discipline de vie et une sincérité bouleversante.
1. « No Paradise » est sorti le 14 juillet 2026 et aborde le thème de la dépression sans construire de récit explicite. Pourquoi avoir choisi cette approche plutôt conceptuelle qu’narrative pour un sujet aussi personnel ?
J’adore les bons albums conceptuels narratifs ; ils peuvent être très puissants, mais aussi restreints dans leur champ d’action. Ils vous présentent un personnage, vous font le suivre à travers une série d’événements, etc. Pour « No Paradise », je voulais quelque chose de plus universel : avec une approche conceptuelle, on donne à l’auditeur l’opportunité de faire l’expérience de la musique et des paroles pour y trouver ce qui résonne le plus en lui. Cela supprime toute volonté de raconter une histoire et laisse les choses ouvertes à l’interprétation ; peu importe ce que la chanson signifie pour lui, c’est cela qu’elle signifie.
2. Vous parlez de la difficulté de reconnaître le moment où l’on a « touché le fond », de briser un cycle sans fin et de trouver une raison de s’accrocher. Ces questions proviennent-elles d’une expérience personnelle, ou ont-elles éclos d’une réflexion plus large sur la condition humaine ?
Elles proviennent d’expériences personnelles. Cela dit, je ne doute pas que la plupart des gens traversent dans leur vie des moments où ces mêmes questions se posent, de sorte que les paroles ne sont pas présentées comme étant uniquement les miennes.
3. Contrairement à de nombreux artistes qui enveloppent la tristesse dans un langage plus poétique, vous avez choisi une expression brute et directe. Qu’est-ce qui vous a poussé vers cette franchise plutôt que vers la métaphore ?
J’ai l’impression que lorsque l’on utilise un langage plus poétique, bien que puissant à sa manière, cela atténue la perception de ce qu’est réellement la dépression. Elle va bien au-delà de la tristesse et du découragement, s’étendant à des symptômes physiques, violents et parfois mortels. Transcrire ces conditions avec précision exigeait de ma part une approche plus directe, tant sur le plan des paroles que de la musique.
4. Pink Floyd — en particulier Rick Wright et David Gilmour — semblent avoir profondément influencé le son de l’album, de même que Marillion pour les textures de claviers. Comment ces influences se sont-elles traduites concrètement dans votre processus de composition ?
En grandissant, une grande partie de mon apprentissage de la guitare a consisté à jouer par-dessus les albums de Pink Floyd. J’ai toujours aimé le jeu de Gilmour, son utilisation de l’espace et son « intelligence du solo » lorsqu’il s’agit d’évaluer ce qui rend un solo impressionnant par rapport à ce qui convient à la chanson. Pour les claviers, je suis tombé amoureux très tôt des enregistrements plus riches et superposés du type « mur de son » — des exemples précis pour chaque groupe seraient « Wish You Were Here » de Pink Floyd et « Brave » de Marillion. Quant à Rick Wright, je trouve simplement son travail phénoménal, et son album « Broken China » est sous-estimé de manière criminelle.
5. On trouve également sur l’album des touches de folk acoustique, faisant écho à des artistes comme Simon & Garfunkel, Jackson C. Frank et Bon Iver. Comment parvenez-vous à faire coexister ces sonorités plus intimes avec les larges passages de rock progressif de l’album ?
Dans le contexte de cet album, ces morceaux plus folk servent de pause et de respiration — une forme de soulagement face au ton plus incessant et lourd des pistes progressives et électroniques — et ils sont placés dans l’ordre des pistes précisément dans ce but. Lorsqu’ils sont tissés dans le flux et le reflux d’un tel album, ils coexistent naturellement avec leurs équivalents plus puissants.
6. « Lost and Found » est un morceau d’une longueur épique qui explore le manque de connexion et de responsabilité de l’humanité aujourd’hui. Comment avez-vous structuré la chanson pour naviguer entre des passages fluides et vaporeux, une agression entraînante et des paysages sonores ambiants ?
Cela dépend vraiment de la capacité à déterminer combien de temps il faut s’attarder sur une idée musicale pour maintenir l’intérêt tout au long d’une chanson. Pour les morceaux plus longs, cela peut s’avérer très délicat, mais arrive un moment où j’atteins un type d’équilibre à mesure que le morceau se développe ; puis, au moment de terminer l’arrangement, il devient tout à fait naturel de savoir ce qui doit suivre organiquement et quand les choses doivent commencer à se conclure. Certaines chansons émergeant assez sans effort de cette manière, mais pour les pièces plus longues, le processus commence généralement par une collection de petites parties, comme des pièces de puzzle. À partir de là, il s’agit d’identifier celles qui appartiennent à l’ensemble et la manière dont elles doivent s’emboîter pour établir cet équilibre.
7. « Slender Threads » traite de la difficulté des relations et du désir de connexion. Ce morceau est-il né d’une relation ou d’une situation spécifique dans votre vie ?
Pas une relation ou une situation spécifique, non, mais ce sont sans doute les paroles les plus personnelles de l’album. J’ai toujours éprouvé de grandes difficultés à nouer des liens et à m’attacher aux autres, ce qui a rendu toutes mes relations — qu’il s’agisse de la famille, des amis ou des amants — assez délicates à naviguer. Sur « Slender Threads », cela prend la forme de paroles dépeignant la confusion, le sentiment d’être perdu et l’absence de bonne option dans une situation difficile, mais cela met également en lumière ces personnes que l’on trouve dans la vie et qui apportent une lumière dans nos recoins sombres. C’est là que ces liens deviennent inestimables, et l’on remuerait ciel et terre pour les empêcher de se briser.
8. « Dusty Beams of Light » est décrit comme court mais doux, évoquant une inspiration fuyante et un sentiment de trahison. Pouvez-vous nous parler des origines de cette chanson ?
Sur le plan musical, cela a commencé comme une tentative de créer l’une de ces mélodies plus calmes et confortables que l’on trouve sur les disques classiques de prog et de psychédélisme ; deux exemples seraient « Wots… Uh the Deal » de Pink Floyd ou « What’s it Worth » de Peter Hammill. Pour ce qui est des paroles, ce premier refrain a été la première section à voir le jour. J’ai toujours été un peu un oiseau de nuit ; mon cerveau est plus actif à cette heure-là, et je me surprends à faire toutes sortes de projets et à avoir des idées… puis, quand le matin arrive, tout disparaît, la motivation s’envole. Ces paroles sont venues directement de ce sentiment : « Toutes ces conversations de minuit, ces espoirs et aspirations, s’évanouissent à la lueur de l’aube. »
9. Vous écrivez, interprétez et produisez tout entièrement par vous-même depuis 2013, tout en menant de front une carrière à temps plein et une vie de famille. Comment parvenez-vous à concilier cette exigence artistique et les responsabilités du quotidien ?
Très, très prudemment. La musique, et plus particulièrement la créativité musicale, est une force de la nature qu’il est impossible d’arrêter ou de contrôler, j’ai donc dû faire preuve d’une grande discipline. Mon enfant et mes proches sont les choses les plus importantes de lamie, et même lorsque c’est douloureux, j’ai toujours privilégié et je privilégierai toujours leur bien-être à mes activités créatives. La bonne chose que j’ai apprise, c’est que les idées musicales, lorsqu’elles sont bonnes, ne s’en vont pas, et souvent, lorsqu’on les laisse mijoter un moment dans son cerveau, elles finissent par être meilleures que tout ce que j’aurais pu imaginer une fois réalisées.
10. Avec quatre projets à votre actif, dont deux albums complets, comment voyez-vous l’évolution de votre écriture depuis vos débuts jusqu’à « No Paradise » ? Et vers où pensez-vous que votre musique évoluera après un album aussi émotionnellement intense ?
J’ai vraiment fait un effort sincère pour élever le niveau sur beaucoup de points avec cette sortie : l’écriture, l’interprétation, la qualité de production. Le premier album, « Harvest », m’a permis de prendre un bon départ, avec beaucoup d’expérience acquise et de leçons apprises. Les deux EP de régression et quelques projets parallèles m’ont donné l’occasion d’expérimenter et de tester certaines améliorations. Au moment où j’ai estimé avoir assez d’idées et de matière pour commencer à travailler sur « No Paradise », j’étais bien préparé pour créer quelque chose de vraiment soigné et raffiné. Maintenant, je vais probablement traverser une nouvelle phase d’expérimentation avec des projets parallèles et peut-être des sorties de singles ou d’EP. Mais le prochain album complet de Malkotron prend déjà forme dans mon esprit et quelques sections sont déjà enregistrées sous une forme ou une autre. L’attente avant la prochaine sortie longue durée de Malkotron ne sera certainement pas aussi longue, et je m’attends à ce que son ampleur épique égale ou même dépasse celle de « No Paradise ».