Storm Boy n’est plus seulement un projet solo, mais un collectif explosif qui redéfinit les codes du post-hardcore à travers son nouvel album, Beast Machine Theory. Ancré dans l’éthique DIY d’Olympia, le groupe fusionne des mélodies alternatives avec une agressivité brute pour créer une musique aussi politique que festive. Cette interview explore la chimie unique de leurs membres et leur volonté farouche de placer la communauté et la joie au cœur de leur démarche artistique.
Vous décrivez cet album comme la transformation d’un projet solo en un « groupe volatil et pleinement formé ». Quel a été le moment précis où vous avez senti que l’alchimie entre Chas, Jeremy, Charli et Kuba redéfinissait véritablement l’ADN de Storm Boy ?
Jeremy et Chas avaient déjà une histoire commune, donc cette base était là dès le premier jour. Jeremy a toujours été le batteur — ça ne s’est jamais discuté. Avec Charli et Kuba, ce fut immédiat. Une répétition chacun et le déclic a eu lieu. Charli apporte ce charisme intrépide — elle bouge comme si elle avait attendu toute sa vie d’être sur scène. Kuba apporte cette présence calme et stable qui ancre le tout. Si l’objectif est de mener par la joie, ce sont les personnes que vous voulez à vos côtés. C’est à ce moment-là que ce n’était plus un projet, mais un groupe.
Au cœur du groupe se trouve une philosophie où les idées sont décortiquées et mises à l’épreuve jusqu’à ce que l’énergie l’emporte sur l’ego. Comment ce processus de collaboration a-t-il spécifiquement façonné l’écriture de Beast Machine Theory ?
Nous faisons beaucoup de concerts, donc les chansons sont testées en temps réel. Le local de répétition est une chose, mais la scène révèle la vérité. Une chanson intègre la setlist quand elle nous excite. Ensuite, le public finit le travail — est-ce que les gens bougent ? Sont-ils captivés ? Ou sont-ils au bar en train de consulter leur téléphone ? On le sent immédiatement. La plupart des morceaux qui n’ont pas fini sur le disque étaient ceux sur lesquels nous avions déjà des doutes — et le public l’a confirmé. La seule exception a été « Always Bet on Black ». Nous l’avons construite à partir d’une démo sur la route et sommes passés directement à l’enregistrement sans cette boucle de rétroaction. Nous essayons encore de comprendre ce qu’elle veut être, mais nous la laissons exister telle quelle en attendant. 😉
L’influence DIY du Nord-Ouest Pacifique est palpable dans votre musique. Comment la scène d’Olympia continue-t-elle de nourrir votre son sans vous enfermer dans des codes locaux ?
Nous avons de la chance d’être dans un endroit avec une longue tradition de personnes qui s’approprient les choses. Le fil conducteur a toujours été le DIY, la communauté et la résistance. Le défi est de ne pas rester bloqué dans le passé. Chaque scène ayant un héritage connaît cette tension. En ce moment, il se passe énormément de choses dans le Nord-Ouest qui méritent l’attention — des groupes à Olympia, Seattle, Portland, Tacoma, Vancouver. Des sons différents, mais la même détermination. Des gens qui construisent quelque chose parce qu’ils en ont besoin. C’est ce qui nous nourrit. Ne pas recréer ce qui a été fait, mais faire partie de ce qui se passe maintenant.
Vous avez décrit votre son comme un mélange des Pixies, de Fucked Up et d’Ian MacKaye. Comment équilibrez-vous ces mélodies alternatives avec l’agression brute du post-hardcore ?
Ces comparaisons reviennent souvent, et nous les comprenons — mais ce n’est pas notre point de départ. Ils font partie des fondations du genre, et c’est un honneur d’être mentionné à leurs côtés. Mais le but n’est pas d’y rester — c’est d’avancer. Je pense que l’équilibre vient du contraste. Le jeu vocal entre Chas et Charli, l’immédiateté des chansons, et la façon dont Kuba et Jeremy se calent sur un groove — cela crée quelque chose qui peut frapper fort tout en restant accessible. Nous voulons émouvoir les gens, pas seulement les percuter.
Votre musique semble aussi à sa place lors d’un piquet de grève que sur une piste de danse. Est-ce un choix conscient de transformer le désenchantement (comme on l’entend dans « Tiny Fists ») en quelque chose d’actionnable et de communautaire ?
C’est absolument un choix. Avant, on disait une phrase avant nos sets : « Si vous entendez quelque chose qui résonne en vous, levez le poing. Si vous n’avez pas de poing, criez ‘fuck yeah’. Si vous n’avez pas de voix, vous avez un cul — bougez-le. » Le but est simple — si nous bougeons ensemble, nous sommes un mouvement. Si nous nous élevons les uns les autres, nous avançons tous. C’est l’objectif à chaque fois.
Pouvez-vous nous parler de la chanson « In the Shadows of Fort Reno » et de son processus de composition ?
Celle-là est venue toute seule. Certaines chansons prennent une éternité à être finalisées. D’autres apparaissent déjà formées, et « In the Shadows of Fort Reno » était l’une d’elles. Chas a apporté le riff, et en 20 minutes, tout était là. On l’a senti immédiatement. L’énergie dans la pièce a changé — Charli s’est penchée en avant, Kuba sautait, Jeremy frappait plus fort. Ça a tout de suite ressemblé à un appel à l’action. C’est resté ainsi depuis. Cette chanson n’a jamais eu besoin d’être défendue. Maintenant, quand nous la jouons, essayez juste d’empêcher Charli de sauter de la scène pour rejoindre la foule.
Le morceau « From Your Mouth » suggère que s’entraider est l’acte le plus radical que l’on puisse faire. Dans l’industrie musicale actuelle, comment Storm Boy applique-t-il cette philosophie au quotidien ?
Je veux dire… « industrie » est bien le mot, n’est-ce pas ? Cela implique une chaîne de montage qui recrache des artistes formatés. Mais ne serait-ce pas génial si nous pouvions avoir plus de sens, être quelque chose de plus ? Nous le pouvons. Nous essayons de vivre cela autant que possible. Nous organisons un festival à Olympia chaque année — le Capital Radio Day — avec nos amis de Volume Bomb. Vingt groupes, plusieurs lieux, pour tous les âges (et 21+), à un prix qui permet aux gens de venir vraiment (le prochain est le 6 juin 2026 !). L’objectif est simple : faire découvrir des nouveautés, créer des liens et rendre la scène plus grande que nous ne l’avons trouvée. Au-delà de ça, nous relayons dès que nous le pouvons — les concerts, les nouvelles sorties, tout ce qui aide quelqu’un d’autre à être entendu. Nous ne sommes pas les premiers à le faire, et nous ne serons pas les derniers. Nous faisons simplement notre part et nous ne sommes clairement pas seuls. C’est la méthode Storm Boy.
Le collectif représente un large éventail de genres, d’orientations et de capacités. Comment cette pluralité d’identités influence-t-elle votre processus d’écriture sans ego ?
Cela nous empêche de stagner. Ce n’est pas seulement une question d’identité — c’est une question d’expérience. Pour certains d’entre nous, c’est notre premier groupe. Pour d’autres, nous faisons cela depuis des années. Ce mélange maintient l’honnêteté. Cela pousse aussi la musique vers des endroits auxquels nous ne nous attendions pas. Différentes influences, différents instincts — cela crée du mouvement. La clé est la curiosité. Nous voulons comprendre d’où vient l’autre, pas l’écraser. Je sais que cela rend les playlists sur la route beaucoup plus intéressantes !
Vos concerts sont décrits comme cinétiques et communaux. Y a-t-il une chanson sur ce nouvel album qui a pris une dimension totalement inattendue une fois jouée devant un public ?
C’est « Hands Under It » qui a le plus changé. Nous avons failli l’abandonner. La musique était là, mais les paroles ne prenaient pas, et elle était sur le point de devenir un instrumental jetable. Puis, juste avant l’enregistrement, Chas a trouvé la solution. Nous l’avons intégrée au set, et la réaction a été immédiate. La salle s’est littéralement ouverte. C’est un peu plus lourd que le reste du set, et nous n’étions pas sûrs de l’accueil — mais une fois que les gens ont commencé à accrocher, nous avons su qu’elle tenait quelque chose.
L’album comprend huit titres qui retracent votre histoire tout en regardant vers l’avenir. Quelle est la prochaine barrière que Storm Boy compte briser maintenant que le LP est sorti ?
Le temps. Le temps pour écrire plus, jouer plus, enregistrer plus, se connecter plus. C’est la seule chose qui nous barre la route.