Sous les néons froids de la scène queer californienne, Yayah continue d’écrire son propre langage. Avec Never Kill Yourself, l’artiste originaire de la Bay Area plonge dans une traversée électro-pop aussi viscérale que poétique, entre ironie désabusée et lumière fragile. Tout, dans ce morceau, semble venir d’un endroit profond — une conversation à voix basse entre le désespoir et la survie.
Entièrement écrit, enregistré et produit par Yayah, Never Kill Yourself se déploie comme une pièce d’art électronique où se mêlent les influences de Crystal Castles, Charli XCX et Grimes. Le titre avance à contre-courant de la pop formatée, alternant douceur et chaos, espoir et abrasion sonore. La structure reste familière, presque classique, mais chaque détour semble déjouer les attentes : les basses grondent, les montées se fissurent, la voix se fait tour à tour fragile et rageuse.
Yayah ne chante pas seulement une lutte intérieure, iel la performe. Sa voix, tantôt distante, tantôt brûlante, navigue sur des textures digitales qui épousent les contours d’une émotion brute. On y perçoit cette tension entre le dramatique et le camp, cette capacité à transformer la douleur en un espace d’expression presque libératoire. L’ironie y devient une armure, la mélancolie une promesse d’avenir.
Dans la lignée de ses précédents titres, Yayah poursuit ici un travail de déconstruction du mythe pop. Derrière l’esthétique synthétique, il y a une sincérité nue — celle d’un artiste qui ne cherche pas la perfection, mais la vérité sonore. Never Kill Yourself n’est pas qu’une chanson : c’est un manifeste contre la disparition, un souffle vital enveloppé dans l’obscurité.
Yayah signe là une œuvre qui transcende les codes du genre, un cri d’existence autant qu’un murmure d’amour envers soi-même. Une chanson qui, paradoxalement, parle de la mort pour mieux célébrer la vie.
