L’énergie brute des fosses britanniques épousant le sang chaud de la scène brésilienne : Yur Mum ne s’écoute pas, il s’éprouve. À travers une décennie de sueur, de décibels et de liberté sans concession, le duo londonien forge une identité affranchie des étiquettes et des compromis industriels. Plus qu’une succession de concerts, leur parcours est une leçon de résilience pure, prouvant qu’il est possible de traverser l’orage sans rien céder de sa flamme créative. Cet entretien intime et incisif plonge aux racines d’un son devenu instinct.
Après près de 400 concerts, qu’est-ce que la scène vous a appris sur vous-mêmes que vous n’auriez jamais pu apprendre en studio ?
Les relations humaines, la résilience, l’improvisation, la gestion des déceptions… Savoir adapter notre son, notre répertoire et notre état d’esprit à tout ce qui peut nous tomber dessus sur l’instant. En studio, on a le temps de gérer ce genre de problèmes, c’est un environnement sûr et protégé. Et puis, la communication et la complicité que nous partageons sur scène se sont considérablement renforcées.
Vous êtes deux Brésiliens installés à Londres, et votre musique fusionne le punk britannique avec l’énergie brésilienne. Yur Mum est-il pour vous un mélange de deux cultures, ou plutôt un espace où vous n’avez plus besoin de choisir entre les deux ?
C’est une très bonne question. C’était un peu des deux, en réalité. Je pense qu’au début, sur Tropical Fuzz, c’était un mélange, alors que Duality — notre deuxième album en duo — s’est fait de façon plus naturelle. Nous n’avons pas trop réfléchi ni calculé, c’est d’ailleurs pour cela qu’il est parfois difficile de décrire les morceaux de Duality.
Votre démarche DIY ressemble presque à une philosophie de vie plutôt qu’à une simple manière de faire de la musique. À quel moment le « do it yourself » devient-il un « do it your way » (fais-le à ta façon) — et qu’êtes-vous refusés de faire pour réussir ?
Anelise : Personnellement, je pense que « fais-le toi-même » et « fais-le à ta façon », c’est exactement la même chose ; je ne peux pas les séparer. Pour cette raison, je refuse de me dénaturer ou de me vendre pour réussir. Si je me donne tout ce mal, si je fournis autant de travail, de sueur, de nuits sans sommeil et si je cumule deux jobs juste pour presser des vinyles et imprimer du merch, je vais le faire à ma manière.
Fabio : La chose principale que je refuse de faire pour le succès, c’est de partager le contrôle créatif. Beaucoup de groupes étaient super intéressants et stimulants au début, puis ils ont signé sur une major et leur album suivant est devenu commercial — avec seulement une fraction de l’énergie et de l’attitude qu’ils avaient auparavant. C’est décevant. Ce n’est pas une évolution, c’est un丸 recul uniquement destiné à rendre la musique plus accessible au grand public. Cela détruit toute la démarche. Si vous jouez du punk rock ou du metal, vous êtes déjà dans une niche — cela n’a aucun sens d’essayer de plaire aux masses.
Il y a une liberté particulière à jouer en duo : moins de membres, moins de strates, mais aussi moins d’endroits où cacher ses faiblesses. Quelle faiblesse de Yur Mum avez-vous finalement appris à transformer en force ?
Jouer avec les dynamiques sonores et les arrangements entre la basse et la batterie est devenu une force majeure. Avant, nous devions équilibrer le son et réserver un espace pour la guitare, ce qui aurait pu passer pour une faiblesse en son absence, mais nous ne voyons plus du tout les choses ainsi. Quand on regarde un groupe avec des guitaristes, il y a toujours ce moment prévisible où arrive le solo de guitare. En tant que duo, nous sommes devenus beaucoup plus imprévisibles dans la direction où nous emmenons un morceau, et pour nous, c’est une véritable force.
Si vous pouviez parler au Yur Mum de 2016, juste avant votre premier concert, que vous diriez-vous de ne jamais changer — et que vous conseilleriez-vous vivement de ne pas faire ?
A : N’ayez pas peur de perdre un membre du groupe. Cela a été un véritable déchirement pour nous et nous nous sommes sentis perdus pendant un moment, alors je nous dirais de ne pas nous inquiéter pour ça. Et devenez toujours amis avec l’ingénieur du son — il fait partie intégrante du groupe, et c’est la personne que vous voulez avoir de votre côté !
Vous avez partagé la scène avec des groupes très différents et joué dans de nombreux festivals. Y a-t-il eu un concert où vous vous êtes dit : « OK, Yur Mum existe vraiment maintenant » ? Que s’est-il passé ce soir-là ?
Ouvrir pour New Model Army a été un moment fondateur — c’était notre présentation en duo face à un public très large. Jouer devant des centaines de personnes alors que nous étions habitués à des jauge de 20 ou 30 personnes a été un tournant majeur. On s’est dit : « Il faut qu’on continue. Ça fonctionne. »
Un autre moment fort a été notre deuxième passage au Rebellion Punk Festival. La première fois, nous avions eu des problèmes techniques, mais la seconde fois, nous étions sur une belle scène un dimanche soir. Les gens étaient épuisés par leur festival, mais ils sont venus quand même et ont rempli le Pavilion. C’était extrêmement gratifiant. Ces deux concerts ont été des étapes clés.
Le punk est souvent associé à la colère. Mais après dix ans, qu’est-ce qui vous donne encore envie de faire du bruit : la colère, la joie, la résistance, le besoin de lien… ou quelque chose d’innommable ?
Le punk est un mode de vie. Ça peut commencer par de la colère quand on est jeune et rebelle, mais on dépasse cela en vieillissant. On a toujours des choses à dire, de manière plus mûre, mais on veut toujours le dire fort et avec du bruit — cela ne change pas. La musique nous offre la liberté d’exprimer nos mécontentements comme notre bonheur. On peut aussi hurler la beauté de la vie.
Votre anniversaire à venir célèbre les dix ans de Yur Mum. Si vous deviez résumer cette décennie en une seule chanson : de quoi parlerait-elle, et quel en serait le dernier vers ?
Elle parlerait de résilience, d’amour et de sueur. Le dernier vers parlerait du fait de continuer d’avancer : « Refais-le… Ne regarde pas en arrière, continue. » C’est facile d’abandonner, et après dix ans, peu importe ce que vous avez accompli, on a toujours l’impression de revenir au point de départ. En musique, il n’y a pas de promotion : une fois l’album sorti et la tournée finie, on recommence à zéro en pensant au suivant et à la façon de rester pertinent. Il faut donc aimer le processus.
Imaginez que dans dix ans, quelqu’un découvre Yur Mum sans connaître votre histoire. Quelle est la chose essentielle que vous aimeriez qu’il comprenne sur vous ?
Nous aimerions qu’il comprenne que votre âge et vos origines ne vous définissent pas et ne constituent pas une barrière. J’aimerais qu’il se dise : « Putain, ils l’ont fait malgré les obstacles. »* (Même si nous espérons qu’on nous découvrira avant ça !)
Après une décennie, beaucoup de groupes s’installent dans une formule confortable ou s’épuisent à vouloir se réinventer. En regardant vers l’avenir, quel est le risque créatif que vous n’avez pas encore pris — et comment imaginez-vous l’évolution de Yur Mum pour que le feu reste intact dans dix ans ?
Nous avons pris la plupart des risques créatifs que nous voulions prendre ; ceux que nous n’avons pas concrétisés étaient liés à des limites financières. Par exemple, nous adorerions intégrer des percussions brésiliennes pour notre anniversaire ou enregistrer avec une section de cuivres. Avoir un groupe plus étoffé pour nous accompagner sur des événements précis serait un beau risque à prendre. Nous ne voulons pas muer définitivement — nous tenons à rester un duo —, mais nous aimerions avoir le budget pour nous offrir ce choix.
Nous suivons simplement notre cœur et jouons ce que nous avons envie d’entendre. Et pour garder la flamme intacte, nous sortirons de la nouvelle musique l’année prochaine.
